ellosnoexisten

Pues sí, más Andy Warhol, y lo que se nos viene encima. No les abundaré en ningún dato que pueden facilmente encontrar mejor en cualquier sencilla búsqueda por la red de este artista sobradamente reconocido y valorado. Si bien debemos separar la valoración de la producción del juicio moral sobre la ética vital del artista, creo que en el caso del rey del pop-art (como bien corresponde a llevar a las últimas consecuencias la fusión del binomio arte-vida) sus obras van impregnadas de una carga banal que debería hecernos reflexionar.

En el muy especial escenario que es el edificio de la Pia Almoina (adosado a una singular torre exagonal de la muralla romana de BARCINO) uds. pueden pegar la nariz a obras difíciles de encontrar en otras exposiciones de Warhol.

Les he seleccionado tres por diferentes motivos:

El retrato de Liza Minelli vendido bajo la claúsula de no ser reproducido en tiraje, utilizado como póster y portada del tríptico de la exposición.

A-Z, 2002: Una obra realizada a partir del mapa de Londres y en la que a través de 264 círculos dispuestos como si se tratara del mapa del metro, el artista relata dieciocho historias interrelacionadas entre sí y protagonizadas por personajes de cualquier tipo, edad, estamento social u origen familiar. Lo que sorprende de esta propuesta es que, tanto si se quieren (sic) como si no, sus personajes participan del mismo modo en el relato de la historia de ese organismo que llamamos ciudad.

También pueden adquirir A-Z , el libro .

Habitat, 2006: un film de animación protagonizado por los personajes que habitan en un edificio y centrado en el relato de una historia en la que el drama que a menudo caracteriza nuestras vidas se mezcla con el absurdo, el humor, la seriedad, el amor y la muerte.

Disculpen la calidad del video. Los desplazamiento de cámara no son tales, sino que es así cómo se muestra en la proyección.

The Street, 2006: Un film de animación inspirado en el cine de Jacques Tati que resume el interés del artista por los acontecimientos urbanos, los excesos vitales y los movimientos incomprensibles que se observan en una ciudad. Concebida como la síntesis simultánea de lo que sucede en una calle durante las 24h. de un día, "The Street" es como una especie de factoría en la que todo lo que sucede, empieza y termina cuando tiene que ocurrir.

(el video estará disponible cuando los señores de You Tube dispongan)

Quienes tengan una cierta edad quizás hayan recordado la 13 rue del Percebe del sin par Escobar. :)

No he encontrado algo así como la web personal del artista. Una lástima si no existiera. De hecho creo que sus obras son idóneas para la red.

Urban Stories, Lars Arrhenius, del 17 de marzo al 4 de junio de 2006, Santa Mònica , Barcelona.

*El texto en cursiva son citas del texto de Frederic Montornés, Curador de la exposición

Dentro de las actividades del evento sensorama que el colectivo el perro ha producido para el Centre d'Art Santa Mònica se había anunciado para hoy a las 19.30 una conferencia de Santiago Sierra. El artista no ha venido y ha enviado una película para que los asistentes la visionaran. Lo que en un principio fue una tremenda decepción acabó con nota alta. Hemos podido visionar el video inédito "la visita" que Santiago Sierra produjo en 2005 entre méxico y Alemania (Bremen).

El video (22') en blanco y negro nos muestra a un personaje tullido, un marginal que se gana la vida en las calles de méxico aparcando y limpiando coches. Uno de los que limpia con esmero es un Mercedes. La historia prosigue con el viaje (invitado o más bien "abducido") del protagonista en avión hasta la fábrica Daimler-Chrysler (donde se producen los Mercedes) en la ciudad alemana de Bremen. Allí es acompañado por una suerte de azafata y un directivo a hacer una visita detallada de las instalaciones con explicaciones en español del proceso de construcción de los lijosos vehículos. El mexicano se muestra apático y desorientado, siempre en su silla de ruedas o mostrando sus dificultades de movimientos con las muletas.

Como muy acertadamente nos ha comentado Antonio Ortega (artista y responsable de actividades y educación en el Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona) el premio que Santiago Sierra ofrece al personaje es un caramelo envenenado. Conocer de primera mano cómo se producen los vehículos que él cuida a diario, revelando qué hay detras de la cotidianeidad.

Nada de goce en la experiencia:

el protagonista no es agasajado con comidas (no se muestra, al menos)

se intuye que nunca podrá disfrutar de la propiedad de uno de esos lujosos vehículos

la propia visita es incómoda en unas instalaciones hostiles para con su "diferencia"

Dentro de la obra de Santigo Sierra ésta es una pieza  singular (incluso como pieza de soporte video): su duración (22') y su montaje (documental) parece muy bien orientado a emitirse en la televisión (queda el margen necesdario para publicidad en un programa de 30').

También nos ha ofrecido algún comentario interesante de primera mano Pablo España (integrante de el colectivo El Perro y profesor del Departamento de Creación Artistica y Teoría de las Artes)

Todo hace pensar que Santiago Sierra no se ha ausentado por un problema personal (sic) como rezaba en la nota informativa en la entrada del centro, sino que su no presencia ha sido, pónganle uds. el nombre.

He intervenido para plantear que "todo" bien podría haber estado orquestado  premeditadamente (el anuncio de la presencia del artista con la consiguiente repercusión en medios, la renúncia de última hora, el visionado del vídeo, la pequeña tertúlia) extremo que Antonio Ortega ha desmentido: "rechazo la perversión de tal estrategia" 

La Fundació Joan Miró de Barcelona acoge la exposición Lo que quieras que diga… Yo ya estoy muerto de Douglas Gordon.

Es estimulante la presencia de tantos trabajos que más allá del hilo conductor adjudicado y marca de la casa que es el medio “lenguaje” audiovisual (cinematográfico, vídeo, proyección fija y palabra escrita) tengan como común denominador sencillez “de mecanismo”, efectividad a la hora de conectar con el público, y profundidad conceptual.

Diran uds. que

“es lo normal”

Y que

“es lo que se espera del Arte Contemporáneo”

Pues NO y pues SÍ. Es decir, NO es tan normal encontrar obras desprovistas de castillos pirotécnicos, austeras y polisémicas; y SÍ, deberíamos exigir (voy a ponerme dogmático again, me temo) de los artistas compromiso para con la inteligencia de su público.

Autorretrato (Besar con escopolamina),

 Besar con pentotal sódico y Besar con amobarbital, las tres de 1994, plantean la idea de transferir vía-beso una de estas tres “drogas de la verdad” (sic). Sepan que dichos barbitúricos, en dosis moderadas son sedantes y en altas concentraciones se utilizan para producir la muerte sin dolor (pentotal para eutanasia en veterinaria). En cualquier caso las connotaciones de la supuesta performance (tan sólo se nos muestran imágenes fijas de unos besos) son de gravedad.  

A través de un espejo consiste en la proyección por duplicado de una escena de Taxi Driver.

Una de las proyecciones está invertida, y hay una leve des-sincronización. El espectador queda en medio del diálogo entre los dos desafiantes (y armados) jóvenes Robert de Niro  

Por cierto, en la Fundació Miró, la instalación estaba mal (la foto no es de "la Miró"), dado que ambos proyectores ofrecían la escena tal cual (sin invertir ninguna). Se lo hice saber a uno de los cuidadores de sala e intentó penosamente convencerme de que la proyección era así y que yo estaba equivocado. No discutí. 

24 horas de PSICOSIS consiste en la proyección del clásico de Hitchcock ralentizada hasta hacerla durar 24 horas (aproximadamente 1.8 fotogramas/segundo) 

Les dejo la escena de la ducha “entubada” para que la vean cuando telefónica está “en uno de esos días”. Se harán una idea del efecto.

De Dios a nada (1996) me recordó al espacio del dolor de Joseph Beuys . Quizás las bombillas, quizás el tratamiento del tema universal de los miedos. Las paredes oscuras del interior de la sala tienen escrito en el perímetro un gran número de “miedos”. Empieza por “el miedo a Dios” y acaba con “el miedo a nada”. En el camino, por supuesto, el sexo y la muerte tienen su lugar. La sala está iluminada por tres bombillas a la altura de la cabeza, el corazón y el sexo.

Prácticamente todas las películas y trabajos de video desde 1992 hasta ahora (1992) es una instalación donde Prácticamente todas las películas y trabajos de video desde 1992 hasta ahora se ofrecen a la vez en monitores. Animemos a Mr. Gordon a que las suba a Internet, total, ya puestos…   

Hasta el 4 de junio (las princesas no pagan)

La Fundació "La Caixa" organiza las "terceras jornada de Arte contemporáneo: Inter (in)dependencias: el comisariado para con la crítica de arte", en las que "queremos ofrecer un espacio para el debate y la reflexión sobre aspectos relativos a la práctica de la crítica y el comisariado del arte contemporáneo" (Neus Miró, comisaria de las jornadas)

Asistiré el viernes por la mañana a las ponencias de

Sara Arrhenius, directora de la Bonniers Konsthall, Estocolmo, Suecia

y

Helen Molesworth, comisaria jefa de Exposiciones en el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio 
Ya les contaré cómo será. Pueden consultar el programa completo de las jornadas en la página oficial aquí

La Casa Asia acoge bajo el título de "Retratos asiáticos", una exposición de 24 fotografías de gran formato del artista francés Pierre Gonnord.

Son retratos realizados en japón donde los modelos, encontrados por Gonnord, muestran una gran belleza exótica (les aceptaré una enmienda al respecto) realzada por el tratamiento unificador de composición e iluminación. Los rostros se presentan "de tres cuartos", aunque con la mirada fija hacia el espectador. Sobre fondo negro, estos bustos con iluminación lateral entroncan estéticamente con la tradición pictórica de nuestro barroco, y Pierre Gonnord consigue así elevarlos a la categoría de la nobleza aristocracia occidental.

Debo decirles que escribir lo anterior ha sido una revelación para mi. Salí de la exposición maravillado por la belleza de las imágenes. Ahora lo que pienso es que tras esa belleza hay una explicación del mundo melíflua, perversa y peligrosa.

Y algunas declaraciones que se encuentran en el corto video que completa la exposicón, son de una coherencia pasmosa con respecto a su trabajo:

"tener un proyecto fotográfico ayuda a entrar un poco más en el tejido de diversidad social en una ciudad de cuatro millones de habitantes"

"como ser humano. cuando estás con el otro el otro es parte de ti"

"me pregunto qué hay de los demás en mi y qué hay de mi en los demás"

Es decir: frases hermosísimas que tapan una contradicción (buscar una suerte de yin-yang social mediante el retrato preciosista y artificioso de ejemplares de otras étnias) irresoluble.

Merecería un post aparte el magnífico escenario de la exposición. La Casa Asia está situada en el Palau Baró de Quadras, un palacete modernista de Puig i Cadafalch catalogado como Monumento Histórico Artístico de Interés Nacional.

Hasta el 16 de abril.

D   I   A   N   E     A   R   B   U   S
R  E   V  E   L  A  C  I   O  N   E  S

“A photograph is a secret about a secret. The more it tells you the less you know”

Me consta que la reseña llega con retraso, dada la gran repercusión en prensa que ha tenido esta exposición. La dicha, sin embargo, es buenísima.
La obra de Diane Arbus se ajusta a sus presupuestos:

PROGRAMA PARA UN PROYECTO FOTOGRÁFICO
“American Rites, Manners and Customs”
(Ritos, usos y costumbres americanas.

“Quiero fotografiar las ceremonias dignas de consideración de nuestro presente porque mientras vivimos a quí y ahora, tenemos tendencia a percibir sólo lo que es aleatorio, estéril e informe. Mientras lamentamos que el presente no sea como el pasado y perdemos la esperanza de que se convierta en el futuro sus innumerables hábitos inescrutables permanecen a la espera de un significado. Quiero reunirlos como haría una abuela preparando conservas, porque habrán sido muy hermosos. (...)”(2)
 

Y particularizando:

“Lo que más he fotografiado han sido monstruos.

 

 

 

 

 

Fue una de las primeras cosas que fotografié, y ha sido terriblemente estimulante para mi. Simplemente solía adorarlos. Aún adoro a alguno de ellos. Con esto no quiero decir que sean mis mejores amigos, pero me han hecho sentir una mezcla de vergüenza, temor y asombro. Existe una especie de leyenda acerca de los freaks (monstruos). Como ese personaje que en un cuento de hadas te detiene y te exige que resuelvas un acertijo. La mayoría de la gente se pasa su vida temiendo vivir una experiencia traumática. Los freaks nacieron con sus traumas. Ellos ya han pasado su prueba.

 

Son aristócratas.” (1)
 

¡Y vaya si lo parecen!

Además de fotografías, pueden leer allí mismo los libros que se han editado a propósito de la obra de Arbus, ver algunos volúmenes de su biblioteca y acceder a reflexiones recogidas en sus cuadernos de notas:

“Cuando empecé a fotografiar, solía hacer copias con mucho grano. Me fascinaba el efecto que daba el grano; era como una especie de tapicería hecha de puntitos. La piel era lo mismo que el agua; el agua era lo mismo que el cielo y además trabajabas sobre todo con luz y sombra y no tanto con carne y sangre...”
Diane Arbus. Clase magistral, 1971(2)
 

Para uds., fetichistas de la tecnología retro pueden ver en CaixaForum la Nikon F 35 mm con Objetivo de 50 mm i la Rolliflex gran angular 2-1/4; las dos máquinas de la artista.

“(...) la otra cámara, que no es más que una maldita seductora, en la que ves lo que vas a obtener pero con la que no obtienes lo que has visto (...)
Carta a Marvin Israel, C. Noviembre de 1960

La irritación que suscitaba en ella las limitaciones impuestas por el objetivo de 35 mm llevó a Arbus a experimentar con una Rollefflex 2 ¼ de dos objetivos que le permitía

<

Maider López presenta dentro del ciclo “A medida” comisariado por Marta Gili la instalación Columnas en el Espai Montcada-Sala 4 de CaixaForum.  Se trata de una instalación de 110 pilares (que no columnas) de madera (22x41x370cm) pintados de blanco. Su carácter fictício (tan ficticio como un buen porcentaje del interior del MACBA) no le resta potencia al efecto visual y espacial del laberinto y presencias (dependiendo de que percibamos las columnas (sic) o los espacios). Los pilares están diseminados de manera irregular, tan irregular como la diseminación de los asistentes en una fiesta haciendo difícil en determinadas zonas la deambulación.

 

foto extraída de la web de la artista

Es significativo que las unidades adquieran identidad en tanto que colecivo a la vez que redefinen el espacio de la sala. La  pretensión de elementos estructurales arquitectónicos debería condicionar nuestra interpretación más allà de la puramente “espacial”.

Hoy, además de Beatriz y yo, en la sala había tan sólo una pareja.
Hablaban en francés.
Yo de francés y de tonos tristes sé lo justo para, sin pretenderlo, enterarme de que estaban rompiendo.

-C’est fini –decía él.
Ella, los ojos vidriados, se apoyaba contra la pared.

Ahí me ha parecido que la necesidad de sujetar un techo que se venía a alguien abajo acumulando columnas era evidente. Alguien podrá decirme que todo es muy poético, que las columnas en realidad no aguantan nada. Pues eso digo yo, que el techo (no digamos el cielo) no se viene abajo por una ruptura amorosa.

También digo que la experiencia del visitante es la última pátina que acaba una instalación.

 

“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez

Dentro de las jornadas de debate de Interzon@s 06 (II encuentros europeos con el arte joven) que se celebran en Zaragoza pudimos asistir el miércoles 1 a las conferencias de Fernando Castro Flórez y Laura Baigorri en el Palacio de Sástago.

Fernando Castro Flórez inició su conferencia calificando los posicionamientos recientes a propósito del retorno de la pintura como “naïf  sinó cínicos”. También fijó su posicionamiento inicial refiriéndose a la pintura objeto del actual impulso mediático como “horrenda” y “lamentable”.

Como nada es casual, Fernando nos ofreció algunas explicaciones al respecto. Charles Saatchi es una de esas explicaciones. Saatchi, tras el trágico incidente que destruyó su colección de Arte, se dedica a promocionar y a comprar por ingentes sumas de dinero arte abiertamente escandaloso. Saatchi no invertiría su gran fortuna en promocionar arte-escándalo si no supiera los grandes beneficios económicos que le reportará tal actitud. ¿Se acuerdan de la ya legendaria Sensation? En aquella exposición de jóvenes artistas británicos, que se inauguró (año 1999) en el Museo Brooklin, se mostraba la particular colección del magnate.
Saatchi apuesta por la pintura. Y apuesta por una pintura de marca Sensation. E impone el titular de las exposiciones: “El retorno esplendoroso de la pintura” (Saatchi) 

Fernando Castro Flórez es profesor de estética y teoría de las artes de la Universidad Autónoma de Madrid, crítico de arte y comisario de exposiciones. Entre sus libros destacan: Elogio de la pereza, El texto íntimo y Nostalgias del trapero.

“Y es que los “Antipintores” no son un fenómeno nuevo. El pintor que entierra la modernidad es Daniel Buren. Su objetivo era ser el enterrador de la pintura. Ya saben Uds. que la pintura se ha dado por fallecida en numerosas ocasiones, pero como diría Don Juan (sic): los muertos que vos matáis gozan de buena salud”. (risas)
Daniel Buren dio pie a hablar de la “táctica de la torpeza deliberada” llevada a cabo por muchos artistas. “Es el mejor antídoto ante las críticas:
-¡Qué malo es eso!
-Lo he hecho así a propósito. Es ironía.
Bricoleur, decorador y trapero. En eso se ha convertido el artista”.
 

Fernando nos advierte del retorno de lo siniestro y de lo inhóspito a la pintura y prevee un futuro abominable, sin honestidad. Y de la misma manera pero diferente, “hay pintura que no es que esté muerta, está destrozada” (en referencia al lamentable estado de los cuadros almacenados en el MNARS)

“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez

El turno de preguntas tuvo que restringirse a una sola. Lo que pregunté a Fernando Castro Flórez:
Gracias por tu conferencia, valiente y honesta. Creo que hay que reconocer públicamente que alguien se moje.
Si no te he entendido mal, has cargado la responsabilidad de la situación del “artista” contemporáneo básicamente sobre el propio artista.
En tanto que son los actores del circo del Arte los que definen el propio Arte: artistas, galeristas, curators,  directores de museo, público, coleccionistas, críticos, teóricos, etc.
¿Cuál es “tu” pintura? Me refiero a tu apuesta personal ¿Qué pintura o pintores serían los que a tu juicio en un presente ideal deberían estar reconocidos?
Te pregunto esto apelando a esa responsabilidad que anteriormente te atribuía, en tanto que teórico.

Respuesta:

“Actualmente no hay casi teoría de la pintura. Se editan libros, sí , pero son catálogos de IKEA.
Yo lo que reclamo es un poco de estudio, que leamos. No vaya a ser que digamos algo que ya se ha dicho con anterioridad.
Hay artistas que son gente honesta, que han aguantado de manera vergonzante que se les ignorara e insultara simplemente por ser coherentes y continuar pintando. El tren del “retorno esplendoroso de la pintura” no va a parar en la estación de estos pintores. Veremos como se apuesta por los últimos en aparecer que cumplirán bíblicamente con ser los primeros. Pero a los “de siempre” no les van a hacer ni puto caso (sic)
¿Artistas?
Carlos León
José Ramón Amundarain
Yo soy un teórico (dijo como justificando su mal gusto). Me interesa revelar dónde hay un discurso falso o cínico, y valoro artistas que no son arribistas
Juan Barjola, admiración no sería la palabra. Me conmueve e importuna. Eso sí.”

Y acabó la intervención de Fernando Castro Florez con la reflexión a propósito de las técnicas utilizadas, de cómo numerosos artistas son pluridisciplinares y que, en cualquier caso “la materia del Arte es la obsesión”.

Antes de Fernando Castro Flórez Laura Baigorri expuso su conferencia:

LA PANTALLA COMO LIENZO. MÁS ALLA DE LA PINTURA
La dimensión contemporánea de la no-pintura

Extraigo algunas perlas que configuran el esqueleto de su exposición:

“Cada vez que un nuevo medio tecnológico irrumpe en el arte lo hace definiéndose en relación y p

EL (PLEITO EN EL) ARTE EN LA EPOCA DE INTERNET

De Warhol al artisterrorismo, o este gazpacho no es lo que era
Patentes y marcas: Con la Iglesia hemos topado, amigo Sancho

Resumen de la Conferencia de Laura Baigorri en Santa Mónica (BCN) hoy a las 17 h (copyfight2)

El Caso de Voteauction, un proyecto de simulación que pretendía pasar por una empresa que subastaba los votos al mejor postor. El proyecto fue apadrinado por la compañía rtmark cuando empezó a tener problemas legales. rtmark está legalmente constituida como una empresa para poder aprovecharse de los mismos derechos que las corporaciones estadounidenses; sobre todo el de la "responsabilidad limitada". Eso significa que si alguna de sus acciones de sabotaje tiene consecuencias desastrosas, a los propietarios o accionistas no les ocurrirá nada; sino a rtmark. Entonces puede declararse en bancarrota, o pueden obligarla a disolverse, pero las personas, ellos y sus inversores quedan libres de toda responsabilidad. El proyecto fue vendido a la empresa austriaca Ubermorgen.

Una de las demandas provocó el cierre del dominio con el servidor en Suiza. Se trataba de una demanda vía email (que no tiene valor oficial) al servidor de un país que está fuera de jurisdicción americana.
Desafiante Ubermorgen asegura: “No estamos sujetos a las leyes de cada estado de los EEUU, sólo a leyes internacionales. Y no sólo no estamos haciendo nada ilegal, sino que creemos en la viabilidad económica y empresarial de la idea".
A los casos de rtmark/Ubermorgen se añade el caso etoy como ejemplo de grupo artístico constituído legalmente como empresa. “En EEUU esta decisión es vital para la supervivencia porque protege legalmente en el país donde las corporaciones disfrutan de más ventajas legales que las personas.

Laura Baigorri acaba su ponencia con una serie de lemas (apunten, apunten)

“No se trata de utilizar o no utilizar la tecnología; la cuestión es si lo hacemos nosotros mismos, o se lo dejamos hacer a las grandes empresas" Rop Gonggrjip - hacker:

“Tras el mayo del 68, pensé que el tiempo de las barricadas ya se había cumplido. No se puede lanzar piedras cuando los otros tienen helicópteros y satélites. La próxima resistencia se deberá situar en este nivel.” Nam June Paik (1974)

No se puede seguir utilizando las viejas estrategias (sobre todo cuando los otros tienen abogados) Los artistas deben situarse al mismo nivel que las empresas

Moraleja: no sean artistas, no sean activistas: sean empresarios

Me perdí el jueves, pero el viernes 27, me planté en Santa Mónica una hora antes de comenzar el evento dedicado ese día a la música. Pillé a los organizadores acabando de comer y acepté la hospitalidad de un agradable hueco y un café. Se ve que son todos muy buena gente.

A las cinco de la tarde nos dio la bienvenida Óscar Ascaso y cedió la palabra a José Luís de Vicente quien introdujo a Nacho Escolar. Estuvo bien, Nacho. Explicó como sorprendido que Jose María Cámara, Chairman de Sony-BMG e “inventor del negocio de la música en España” le había explicado a cierto productor ejecutivo que “entre los diferentes tipos de música se escucha más música que nunca. Datos como el 5% de caída de las ventas al que se opone una duplicación de beneficios por música en directo cuadran con las cuentas de la SGAE: “nunca antes la música había generado tanta economía. Debo decir que Enrique Dans ya nos dijo algo.

Nacho es un tipo generoso que tira también de datos propios, de primera mano, para hablar con mucho conocimiento de causa. Revisó su texto clásico Por favor, ¡pirateen mis canciones!”. Léanlo y reconocerán la vigencia del mismo

Nacho Escolar atendiendo a su público en el turno de preguntas.

A las 18 horas empezó la conferencia de David Bravo. aquí les dejo una foto del único momento en el que no estábamos partiéndonos la caja.

TODAVÍA ME DUELEN LOS ABDOMINALES DE REIR.

¡Por favor! ¡Qué manera de reir y qué manera de llorar de risa!

vean un par de videos para captar el tono discursivo de David y el contínuo descojone del personal.

y también

Los ha subido éste (http://bgta.hollosite.com/blog/) quien también hace su crónica del Copyfight y alarde de mal gusto en algún comentario.

A todo esto, el discurso de David Bravo es impecable en cuanto a estructura y argumentación. Quiero decir que demuestra que ser divertido no está reñido con ser riguroso.

Bien, mis reseñas son notas personales, pequeños documentos que probablemente no sirvan a nadie más. Como lo doy por hecho, y por si les interesa una nota de prensa que merezca tal nombre, les dejo el enlace de la del MACBA.

(off) Jo Spence es una feminista activa conocida como fotógrafa artística.(/off)Hetchet, Claire, Jo Spence, a Personal Journey (video explicativo)
El viaje al que se refiere el título del video es el que la lleva (tras diagnosticársele un cancer de mama) desde el odio hasta el amor por su cuerpo mediante la fotografía.
Jo Spence se interesó por su personal libertad de acción ante el cirujano y ante la situación que se encuentra cualquier interno. Descubrió que podía preguntar, replicar, actuar.

Habla de las técnicas coercitivas de los médicos para convencerla de hacer la radio y la quimioterapia.
"No acabas de entender que estás en una institución ligada a la indústria farmaceútica".
"PROPERTY OF JO SPENCE?" se rotula sobre el pecho izquierdo.
Si odiaba tanto mi cuerpo, ¿Por qué tomarme la molestia?
"Como cualquier persona a quien la sociedad tache de minusválido, acabé teniendo una imagen muy negativa de mí misma. Si tu cuerpo no te gusta ¿Por qué deberías darle de comer bien?"
Jo Spence se refiere en diversas ocasiones al "silencio" que obtiene como respuesta a su acción artística-terapeútica de retratarse.
"fui recibida con el más absoluto silencio porque la gente no sabía qué decir ante "esa mujer que va por ahí desnuda" y "Los teóricos me habían recibido con un silencio absoluto"
"En términos psicoanalíticos el silencio provocó en mí más ganas de ruído" Eso fue, junto a su adicción al trabajo, determinante para crear prolíficamente. Más adelante matizará: "pero la verdad es que sí me escuchaban pero yo no me daba cuenta"

Jo posa sobre una cama, es la típica pose en que se suele fotografiar a los niños o bebés.
La foto recrea y se contrapone a la suya de la niñez "era una forma de representar la cruel cuestión de la memoria". "Hay "recuerdos encubridores", que actúan escondiendo traumas. "Iba arriba y abajo, como Alicia en El País de la Maravillas."

Jo Spencer habla de la "validación". Creo que su definición habla bien a las claras de su compromiso como artista, feminista y educadora: "La validación para mí es saber que soy útil para mi colectivo" y "Políticamente hablando lo importante es que el colectivo al que perteneces te valide."

"creo que no hay un lenguaje positivo para el envejecimiento."

"Con la fototerapia te das cuenta de que todo es un gran teatro."

"Gracias Cuerpo. Millones de gracias, Cuerpo."

(feliz fin de trayecto-añado)


Narratives of Dis-Ease, Spence, Jo / Sheard, Tin ,1989.
Jo Spence abrazada a un oso de peluche
plegándose para alcanzar sus zapatos rojos de tacón
enseñando el BOOBY prize junto a su pecho deformado por la operación
"MONSTER" escrito sobre el pecho de Jo Spencer.

Phototherapy, Spence, Jo/ Martin, Rosy, 1982-1989
Con una cruz a rotulador sobre su pecho izquierdo
Transformada en objeto etiquetable
Metida en muchos y diferentes roles.

Libido Uprising, con Martin, Rosy+Robert/David
Serie fotográfica en la que Jo Spence enfundada en un body de encaje negro se mancha manipulando pintura roja. La primera fotografía nos da a entender que la pintura representa la sangre menstrual.
Posa con su aspiradora, icono por excelencia de la tecnología aplicada a un mayor rendimiento del trabajo doméstico.

Mientras escribo la reseña de la exposición y esperamos el advenimiento de la chica, que entre tímida y divertida se remanga el vestido, pueden hacer boca con 1, 2, 3 y 4 fotos del interior de teatro museo de porexpan proyectado por el escenógrafo arquitecto Richard Meier.