arte

Andy Warhol en el Museu Diocesà de Barcelona

Pues sí, más Andy Warhol, y lo que se nos viene encima. No les abundaré en ningún dato que pueden facilmente encontrar mejor en cualquier sencilla búsqueda por la red de este artista sobradamente reconocido y valorado. Si bien debemos separar la valoración de la producción del juicio moral sobre la ética vital del artista, creo que en el caso del rey del pop-art (como bien corresponde a llevar a las últimas consecuencias la fusión del binomio arte-vida) sus obras van impregnadas de una carga banal que debería hecernos reflexionar.

En el muy especial escenario que es el edificio de la Pia Almoina (adosado a una singular torre exagonal de la muralla romana de BARCINO) uds. pueden pegar la nariz a obras difíciles de encontrar en otras exposiciones de Warhol.

Les he seleccionado tres por diferentes motivos:

El retrato de Liza Minelli vendido bajo la claúsula de no ser reproducido en tiraje, utilizado como póster y portada del tríptico de la exposición.

 

El retrato de Natalie Sparber, de 1984, seleccionado por Beatriz como el mejor de la exposición. Se apoyó mi hija en el aplastante argumento de que "tiene los ojos azules, como yo"

 

 

El vestido "Sopas Campbell", que habiendo visto yo el sábado pasado Underworld Evolution me llevó a relacionar vcampiro con vampiro del modo siguiente: ¿Qué tal le sentaría a Kate Beckinsale este vestido bajo el abrigo de cuero, en vez del traje ajustado de latex? De ahí el dibujo que encabeza el post

 

 

Por cierto, está prohibído hacer fotos en la exposición.

Que lo sepan.

Salud.

Urban Stories de Lars Arrhenius en Santa Mònica

A-Z, 2002: Una obra realizada a partir del mapa de Londres y en la que a través de 264 círculos dispuestos como si se tratara del mapa del metro, el artista relata dieciocho historias interrelacionadas entre sí y protagonizadas por personajes de cualquier tipo, edad, estamento social u origen familiar. Lo que sorprende de esta propuesta es que, tanto si se quieren (sic) como si no, sus personajes participan del mismo modo en el relato de la historia de ese organismo que llamamos ciudad.

 

También pueden adquirir A-Z , el libro .

 

Habitat, 2006: un film de animación protagonizado por los personajes que habitan en un edificio y centrado en el relato de una historia en la que el drama que a menudo caracteriza nuestras vidas se mezcla con el absurdo, el humor, la seriedad, el amor y la muerte.

 

 

 

 

 

Disculpen la calidad del video. Los desplazamiento de cámara no son tales, sino que es así cómo se muestra en la proyección.

 

The Street, 2006: Un film de animación inspirado en el cine de Jacques Tati que resume el interés del artista por los acontecimientos urbanos, los excesos vitales y los movimientos incomprensibles que se observan en una ciudad. Concebida como la síntesis simultánea de lo que sucede en una calle durante las 24h. de un día, "The Street" es como una especie de factoría en la que todo lo que sucede, empieza y termina cuando tiene que ocurrir.

(el video estará disponible cuando los señores de You Tube dispongan)

Quienes tengan una cierta edad quizás hayan recordado la 13 rue del Percebe del sin par Escobar. :)

No he encontrado algo así como la web personal del artista. Una lástima si no existiera. De hecho creo que sus obras son idóneas para la red.

Urban Stories, Lars Arrhenius, del 17 de marzo al 4 de junio de 2006, Santa Mònica , Barcelona.

 

*El texto en cursiva son citas del texto de Frederic Montornés, Curador de la exposición

"la visita" de Santiago Sierra en Santa Mònica

Dentro de las actividades del evento sensorama que el colectivo el perro ha producido para el Centre d'Art Santa Mònica se había anunciado para hoy a las 19.30 una conferencia de Santiago Sierra. El artista no ha venido y ha enviado una película para que los asistentes la visionaran. Lo que en un principio fue una tremenda decepción acabó con nota alta. Hemos podido visionar el video inédito "la visita" que Santiago Sierra produjo en 2005 entre méxico y Alemania (Bremen).

El video (22') en blanco y negro nos muestra a un personaje tullido, un marginal que se gana la vida en las calles de méxico aparcando y limpiando coches. Uno de los que limpia con esmero es un Mercedes. La historia prosigue con el viaje (invitado o más bien "abducido") del protagonista en avión hasta la fábrica Daimler-Chrysler (donde se producen los Mercedes) en la ciudad alemana de Bremen. Allí es acompañado por una suerte de azafata y un directivo a hacer una visita detallada de las instalaciones con explicaciones en español del proceso de construcción de los lijosos vehículos. El mexicano se muestra apático y desorientado, siempre en su silla de ruedas o mostrando sus dificultades de movimientos con las muletas.

 

Como muy acertadamente nos ha comentado Antonio Ortega (artista y responsable de actividades y educación en el Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona) el premio que Santiago Sierra ofrece al personaje es un caramelo envenenado. Conocer de primera mano cómo se producen los vehículos que él cuida a diario, revelando qué hay detras de la cotidianeidad.

Nada de goce en la experiencia:

el protagonista no es agasajado con comidas (no se muestra, al menos)

se intuye que nunca podrá disfrutar de la propiedad de uno de esos lujosos vehículos

la propia visita es incómoda en unas instalaciones hostiles para con su "diferencia"

Dentro de la obra de Santigo Sierra ésta es una pieza  singular (incluso como pieza de soporte video): su duración (22') y su montaje (documental) parece muy bien orientado a emitirse en la televisión (queda el margen necesdario para publicidad en un programa de 30').

También nos ha ofrecido algún comentario interesante de primera mano Pablo España (integrante de el colectivo El Perro y profesor del Departamento de Creación Artistica y Teoría de las Artes)

Todo hace pensar que Santiago Sierra no se ha ausentado por un problema personal (sic) como rezaba en la nota informativa en la entrada del centro, sino que su no presencia ha sido, pónganle uds. el nombre.

He intervenido para plantear que "todo" bien podría haber estado orquestado  premeditadamente (el anuncio de la presencia del artista con la consiguiente repercusión en medios, la renúncia de última hora, el visionado del vídeo, la pequeña tertúlia) extremo que Antonio Ortega ha desmentido: "rechazo la perversión de tal estrategia" 

Douglas Gordon en la Fundació Miró (Barcelona)

La Fundació Joan Miró de Barcelona acoge la exposición Lo que quieras que diga… Yo ya estoy muerto de Douglas Gordon.

Es estimulante la presencia de tantos trabajos que más allá del hilo conductor adjudicado y marca de la casa que es el medio “lenguaje” audiovisual (cinematográfico, vídeo, proyección fija y palabra escrita) tengan como común denominador sencillez “de mecanismo”, efectividad a la hora de conectar con el público, y profundidad conceptual.

Diran uds. que

“es lo normal”

Y que

“es lo que se espera del Arte Contemporáneo”

Pues NO y pues SÍ. Es decir, NO es tan normal encontrar obras desprovistas de castillos pirotécnicos, austeras y polisémicas; y SÍ, deberíamos exigir (voy a ponerme dogmático again, me temo) de los artistas compromiso para con la inteligencia de su público.

Autorretrato (Besar con escopolamina),

 Besar con pentotal sódico y Besar con amobarbital, las tres de 1994, plantean la idea de transferir vía-beso una de estas tres “drogas de la verdad” (sic). Sepan que dichos barbitúricos, en dosis moderadas son sedantes y en altas concentraciones se utilizan para producir la muerte sin dolor (pentotal para eutanasia en veterinaria). En cualquier caso las connotaciones de la supuesta performance (tan sólo se nos muestran imágenes fijas de unos besos) son de gravedad.  

A través de un espejo consiste en la proyección por duplicado de una escena de Taxi Driver.

Una de las proyecciones está invertida, y hay una leve des-sincronización. El espectador queda en medio del diálogo entre los dos desafiantes (y armados) jóvenes Robert de Niro  

Por cierto, en la Fundació Miró, la instalación estaba mal (la foto no es de "la Miró"), dado que ambos proyectores ofrecían la escena tal cual (sin invertir ninguna). Se lo hice saber a uno de los cuidadores de sala e intentó penosamente convencerme de que la proyección era así y que yo estaba equivocado. No discutí. 

24 horas de PSICOSIS consiste en la proyección del clásico de Hitchcock ralentizada hasta hacerla durar 24 horas (aproximadamente 1.8 fotogramas/segundo) 

Les dejo la escena de la ducha “entubada” para que la vean cuando telefónica está “en uno de esos días”. Se harán una idea del efecto.

 

De Dios a nada (1996) me recordó al espacio del dolor de Joseph Beuys . Quizás las bombillas, quizás el tratamiento del tema universal de los miedos. Las paredes oscuras del interior de la sala tienen escrito en el perímetro un gran número de “miedos”. Empieza por “el miedo a Dios” y acaba con “el miedo a nada”. En el camino, por supuesto, el sexo y la muerte tienen su lugar. La sala está iluminada por tres bombillas a la altura de la cabeza, el corazón y el sexo.

Prácticamente todas las películas y trabajos de video desde 1992 hasta ahora (1992) es una instalación donde Prácticamente todas las películas y trabajos de video desde 1992 hasta ahora se ofrecen a la vez en monitores. Animemos a Mr. Gordon a que las suba a Internet, total, ya puestos…   

Hasta el 4 de junio (las princesas no pagan)

Helen Molesworth "Part Object Part-Sculpture" en Caixaforum

Conferencia de Helen Molesworth (comisaria en jefe de exposiciones en el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio) el pasado viernes 24 de marzo de 2006 en CaixaForum.
Helen introduce su conferencia hablando de sus inicios profesionales y entroncándolos con la temática de las jornadas.
Helen Molesworth comenzó su carrera profesional editando con unos amigos Documents, una pequeña revista especializada. “Pretendíamos generar un espacio para el diálogo” –dice, y que se encontrara entre los polos opuestos que representaban las publicaciones Artform (orientada al mercado) y October (academicista). Dichas publicaciones tenían esferas y marcos muy determinados y “nuestra utopía” era crear un tercer espacio de diálogo.
Documents dejó de editarse porque las personas que participaban del proyecto se profesionalizaron.(1)
“Mi experiencia a la hora de intentar generar ese diálogo crítico ha conformado mi práctica comisarial” “Para mí, la función del crítico del Arte se ha deslizado hacia el discurso de la Historia del Arte”.
Helen es historiadora de Arte y explica que se acercó al comisariado debido a que su experiencia con el objeto “en la vida real” era muy diferente a la que tenía con el objeto del Arte en la representación (2)
“Y empecé a darme cuenta de que tenía esta forma de dominio extraordinario en cuanto a qué significaban los objetos de Arte cuando estaba dando clase. Luego, in situ (en el museo) no comprendía esa obra de Arte en absoluto”
“El momento ante la obra de Arte es místico”
 

Helen explicita la absoluta diferencia entre los museos de EE.UU. (privados) y los de Europa para ubicar su siguiente reflexión:
“Había dos versiones de la Historia del Arte en los EE.UU:
Una por parte de los museos: formalista y creada por las apetencias de apetito del mercado.
Y dos: el mundo académico. Una Historia del Arte  a c r í t i c a  de ideas
Vi que uno se formaba por la proclividad y las apetencias de ciertos grupos muy dominantes de académicos que ejercían su influencia en “este” mundo. Así que una de las cosas que intenté comenzar a probar fue introducir esa Historia del Arte académica en el espacio del museo porque gran parte de esa Historia del Arte retaba la institución misma del museo por su mera existencia. Al hacerlo, también intentaba conseguir que la Historia del Arte académica estuviera más abierta a parte de las experiencias de lo que yo denominaría esa “intangibilidad de los objetos del Arte”.

(…)

“Las paredes del museo dan un valor extraordinario a la obra expuesta” (3)
 

“La gente se enamora de Kiefer y no hay nada que puedas hacer al respecto”

“Intenté pensar en el Arte Contemporáneo como parte de una narrativa del Arte mayor. La mayor parte de mi trabajo comisarial intenta situar el Arte Contemporáneo dentro de la historia a partir de la postguerra de la II Guerra Mundial. En parte como una forma de resistencia o de crítica en cuanto a la fascinación actual por lo nuevo. Es decir, que los comisarios tenemos que estar persiguiendo lo más nuevo, lo último.
Me interesa crear narrativas donde lo nuevo no se ofrezca como el objetivo último, sino algo que podamos entender.”

 

 “No hay nadie más importante en esta narrativa que Marcel Duchamp”(4)

“Es inevitable citar a Duchamp porque cambió radicalmente la estética y la conceptualizad filosófica y lo emocional de nuestra manera de interpretar el Arte.

Ahí tenemos el dicatdo de Duchamp: tenemos que desarrollar nuevas formas de competencia cuando nos enfrentamos a nuevos objetos.”

(…)

A continuación Helena aborda las premisas de las jornadas: “la lucha entre el tipo de trabajo que realizamos cuando escribimos y cuando incluimos objetos en una exposición”. Seguidamente leyó la declaración de principios de su exposición más reciente:

Part Object Part Sculpture

“En los EE.UU. siempre tenemos que buscar financiación, así que siempre llevamos el powerpoint para enseñarlo a quienes financian. Helen nos enseña el ppt y después nos muestra “las obras que ponemos en las galerías, intentando pensar los modos distintos por los que los textos y las exposiciones se unen y, es de esperar, logran tener un significado.”

Notas
(1) Aquí hay claramente una alusión involuntaria al “prestigio” de “lo amateur” objeto de no pocos artículos en los últimos años (ellosnoexisten)
(2) Este planteamiento choca claramente con las obras de net-art donde tal diferenciación no existe (ellosnoexisten)
(3) Convendrán conmigo en el arma de doble filo que supone dicha sentencia al estilo “el emperador está mal vestido”. Hay obras menos buenas de lo que parecen y el museo tiene poder legitimador. (ellosnoexisten)
(4) Si exceptuamos "Dados: 1. La cascada 2. El gas del alumbrado" (obra que se produjo y mantuvo en secreto durante años) la obra de Marcel Duchamp es anterior a la Gran Guerra. (ellosnoexisten)

Sara Arrhenius en INTER(IN)DEPENDÈNCIES (CAIXAFORUM)

Sara Arrhenius dice no haber preparado un artículo (doy fe) y que hará una serie de  reflexiones sobre interdependencias entre críticos y comisarios del arte contemporáneo. Ella misma ha trabajado como comisaria y pretende mostrarnos su práctica, qué sucede “cuando estamos avanzando de la posición de crítico a comisario”.
Sara Arrhenius articula su ponencia en base a tres proyectos de crítica  contemporánea y arte contemporáneo en los que ha estado implicada, y manifiesta su voluntad de utilizar dichos ejemplos ilustrativos, incluso como síntomas de prácticas contemporáneas que intentan cambiar la definición de “comisario” y de “crítico”.
El primer proyecto (ya no existe) es la revista Index
El segundo (una experiencia mucho más reciente) es IASPIS (International Artists’ Studio Program in Sweden), el programa de estudios sueco donde fue comisaria
Finalmente la “Göteborg International Biennial for Contemporary Art 2005” donde actuó como comisaria

Sara justifica la elección de los tres proyectos

 

 

 

 

“porque me parecen que de agún modo han intentado cambiar las fronteras entre la  práctica del comisariado y la crítica.
Sara habla del contenido de los proyectos y del método de trabajo relacinándolos con el tema de la conferencia de hoy.
Sara refiere al subtítulo de las jornadas (“el comisariado para con la crítica del arte”) como si “crítica” y “comisariado” fueran dos actividades contrarias o que no pueden relacionarse. El comisario genera y media y el crítico evalúa.
Sara se pone como ejemplo de la relación natural entre crítica y comisariado: “yo misma fui “crítica”
(...)
después he estado comisariando(...)
aún todavía escribo artículos, así que todavía puedo considerarme una crítica”
El primer proyecto (ya no existe) es la revista Index
“Durante esa época trabajábamos con un tema para cada ejemplar. No pretendimos reflejar la actualidad, que es lo típico de la crítica literaria, sino crear una agenda prioritaria desde un enfoque mucho más amplio. Para darles una ligera idea de los contenidos durante mis años trabajamos con temas como el fetichismo, las realidades, los monumentos,.... son tan sólo algunos ejemplos. Y en cada uno de los ejemplares trabajábamos siempre desde el punto de vista de las artes visuales, aunque también desde la fotografía científica, cine, o publicidad. Creo que en nuestro caso fue de gran importancia trabajar contra “la imagen del arte como un objeto autosuficiente creado por el artista para que lo evalúe el crítico”. Pensábamos el arte, el comisariado y la crítica como producción de conocimiento y relacionados con otros campos de la cultura. Para ello fue crucial trabajar con un enfoque interdisciplinario con escritores, artistas, comisarios, pero también críticos. La mayor parte del tiempo teníamos artistas que trabajaban y formaban parte del comité y del proceso de publicación como colaboradores puntuales. En el proceso de publicación era importante el papel del artista invitado que escribiera como comisario o como crítico, es decir, tan sólo en cada uno de los ejemplares en función de lo que queríamos hacer”
 (...)

“Cada ejemplar apareció como una mezcla heterogénea de textos distintos en géneros, voces y enfoques. Me parece que la mayoría de veces sería dificil para el lector distinguir el tipo de texto que estaba leyendo (si de un artista o un comisario)”

 

 

 

 

“Me parece que dicha ambiguedad  la íbamos buscando desde el comité de publicación porque nos permitió utilizar nuestro espacio editorial de modo distinto. Nos interesaban los proyectos que iban más allá de las barreras, de la categorías artística y ponían en tela de juicio el crítico, el comisario, el artista, que dividían el sistema artístico en compartimientos. Queríamos ampliar las fronteras entre crítica del arte y otro tipo de campos culturales. Este perfil editorial evidentemente también rompió con todas las normativas periodísticas, (yo misma las había seguido como periodista)”
(...)
“En ese momento nuestra revista intentó romper la normativa anterior para  poder experimentar con esa frontera entre los métodos de comisariado y crítica. Es aún más importante ver que sí estimuló una escritura crítica que correspondía mucho mejor a esa mejora y ese cambio de los métodos de la crítica contemporánea.”
(...)
“El crítico  entendido como un artista independiente distanciado  es un modelo imposible en el panorama del arte contemporáneo”
(...)

“se podrían crear otros modelos de reflexión crítica basados en el diálogo en colaboración entre distintos proyectos que ocupan posiciones distintas en un mismo sistema (1) y no tanto un modelo de el observador independiente.”

 (...)

 

es vital,
para que exista un cierto dinamismo en el arte, mantener separados los discursos
del crítico y del comisario

 

“Una de las preguntas principales era si tenía un enfoque diferente para con el arte si era “comisaria” o “crítica” y si es necesario o productivo hacer la diferencia entre ambas prácticas. Mi respuesta es que sí. Estas prácticas son distintas y es vital, para que exista un cierto dinamismo en el arte, mantener estos discursos separados. Creo que lo que deberíamos evitar es pensar que ambas prácticas son contrarias o que son identidades que quedan ya fijadas. Tantos las prácticas de comisariado como la crítica tienen que investigar cómo estos campos (que de algún modo se interseccionan) pueden ser productivos en colaboración. Y es por esto que me gustaría insisitir en la importancia de la visibilidad de ambas prácticas, es decir: que las fronteras se movilicen y cambien no significa que deban borrarse o eliminarse sino que deben pronunciarse siempre desde el dinamismo y la armonía con la prácticas artísticas.”

 al fin y al cabo
lo que hago es crear siempre discursos sobre arte
y haciéndolo facilito un diálogo
entre las diferentes disciplinas del campo

 

“El año 2001 fui nombrada comisaria de IASPIS, un proyecto con artistas jóvenes en estocolmo, Suecia; y estudiamos también en New York, Estambul, Tokio, Londres, etc. Un proyecto financiado por el gobierno con la intención de generar un cambio para los jóvenes artistas suecos. Dicho proyecto incluyó archivos, proyectos, investigación y revistas, pero también apoyo financiero para los artistas para crear sus exposiciones. Fue muy distinto trabajar con instituciones financiadas desde el gobierno en comparación con proyectos privados y creo que podríamos entenderlo como un cambio de la práctica crítica a la práctica del comisariado. Intenté reflexionar sobre los vínculos entre ambas prácticas y no tanto en las diferencias que existían trabajando como editora, crítica o comisaria. Me parece que al fin y al cabo lo que hago es crear siempre discursos sobre arte y haciéndolo facilitando un diálogo entre las diferentes disciplinas del campo. Somos mediadoras del arte, somos generadoras de arte, pero también  necesitamos responder de modo crítico. En esta institución, IASPIS, era posible trabajar entre estos campos distintos a un nivel intelectual. Era una casa en Estocolmo en la que se invitaba a personas procedentes de prácticas muy distintas (críticos, comisarios, artistas,....) a que trabajaran juntos y se organizaban exposiciones y revistas a partir del trabajo de esos artistas. Ese encuentro entre prácticas muy distintas fue una continuación de la obra que había hecho como editora. Editora, pero con una experiencia muy radical para mi participar en este proyecto. A diferencia de mi trabajo anterior como crítica o comisaria fue una  participación activa en el proceso artístico y creo que esta implicación en el proceso de producción  sí influenció mis métodos como comisaria y en aquel entonces quizás no me di cuenta, era posible formar parte y a la vez también pensar en el proceso de producción y en la mediación del Arte.”
(...)
“Uno de los elementos más decisivos del proyecto era que se desarrollaba en una casa física donde la gente se encontraba y producía a la vez.”
(...)
“Hay otro elemento  crucial y es que era una plataforma para la creación de los artistas pero también de críticos y comisarios, Un intercambio que nunca suele suceder simultaneamente. Creo que fue un método muy productivo y que ayudó a redefinir estas fronteras entre las prácticas de comisario y de crítico y exploramos todas las vías de trabajar más compatibles con la práctica contemporánea que sí que se basa en la temporalidad y en el proceso.”
(...)
“Yo creo que IASPIS debería de ser ese tipo de  plataforma que todos buscamos: un espacio para la proyección y el ensayo crítico.
¿Se podría desarrollar otro tipo de instituciones para que desempeñaran este papel intermedio entre ambos discursos? (2)

 

 

Las bienales
“Aquí tenemos otro ejemplo externo a las instituciones permanentes. La bienal es casi una institución artística.”
(...)
“Parece  que todas las regiones quieren su propia bienal.”
(...)
“Aparte de ese papel contracultural que tenía la exposición, deberíamos entender y recordar que las bienales son un fenómeno que van acompañado de una redefinición del mapa artístico. Yo creo que han ampliado muchas veces nuestras obras aunque a veces  se organicen siempre dentro del sistema, que tiene sus propias limitaciones, claro está.”
La Göteborg International Biennial for Contemporary Art
(…)
“Al invitárseme a trabajar en ella pensé en colaborar con doce artistas teniendo en cuenta sus obras. Las dimensiones de sus obras eran importantes y tenían que ver con el prestigio y la visibilidad. Me parece que es importante hablar de este tema: invitar a doce artistas en el año de esta mega-exposición se puede entender como un intento de organizar una pequeña revolución  pero fue una elecció que no  pretendía reducir la visibilidad de la bienal sino quería apartarla un poco de la lógica tradicional; intentar organizar una exposición que no fuera importante sólo por el número de artistas o por las dimensiones de sus obras sino por la variedad. También importante en mi caso  fue superar la imagen de la bienal como un estudio o como una pequeña colaboración de artistas con una obra cada uno sino simplemente un espacio donde los artistas, si era posible, produjeran nuevas obras y presentaran más de una obra por artista para crear el espacio para posibles contradicciones y participación de los demás.”
“Desde el principio me pareció evidente que  había muchos  artistas que encuadraban perfectamente la forma en que quería trabajar yo. Quería aprovechar el hecho de que todo disponíamos de un espacio para trabajar en la misma sala. El catálogo lo trabajamos entre todos los artistas antes de la exposición para discutir el concepto de la bienal y buscar una serie de propuestas. Esta sesión no debía ser un espectáculo público.”
(…)
“La sesión ayudó a reformular el concepto de la bienal”
(…)
“Y funcionó. El hecho de inaugurar la bienal con un taller que creó un espacio para un debate y una crítica (…) que se podría comparar con el mismo tipo de debate que se produce entre un artista y un comisario, pero yo quería romper esa  relación entre dos personas y convertirlo en un formato de grupo.”
(…)
Finalmente, Sara nos habló del proyecto http://www.bonnierskonsthall.se/ “>Bonniers Konsthall (Estocolmo, Suecia) de apertura prevista para septiembre de 2006. (Estocolmo, Suecia) de apertura prevista para septiembre de 2006. (Estocolmo, Suecia) de apertura prevista para septiembre de 2006.
Inauguré el turno de preguntas con lo siguiente:

“Siendo una misma persona, básicamente  o inicialmente, crítica y después dedicarse al comisariado y estando todo entremezclado en la misma persona (bien, yo soy un poco lego en la materia, soy más un mero espectador) pero me ha costado entender la diferencia que ha expuesto Sara de los dos papeles. Creo que actualmente se puede defender la posición contraria. En cualquier caso

pregunta.wav
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me ha hecho gracia la metáfora que ha hecho ella de que tanto el comisario como el crítico estaban metidos entro de la cadena alimenticia,(me ha parecido que decía). No ha utilizado un símil de órganos de un sistema simbiótico, sino de una  cadena alimentícia, donde hay una jerarquía. Donde hay uno que es comido y hay uno que come. No sé si ha querido ese tipo  de metáfora y en cualquier caso si eso es así ¿Dónde situaría esos dos seres diferentes, el comisario y el crítico? Y en cualquier caso ¿Quién se come a quién?”
Respuesta: creo que quizás no he ilustrado ciertamente lo que pretendía decir, pero esa es la posición cuando se ve en la crítica del arte tradicional. Es decir, es la manera en que se supone que tienes que trabajar si trabajas en un periódico grande como crítico de arte y la idea por tanto, evidentemente, es cuestionar ese status quo, esa cadena alimentaria y cuestionar los papeles y los roles desempeñados porque las cosas cambian y además, es muy poco productivo ese sistema. Por tanto estoy de acuerdo contigo absolutamente.
(1) ¿Alguien puede traducirme esa frase?
Nota: Sara deja bastantes aspectos “para los debates de hoy” (debates a los que no asistí)

   

el comisariado para con la crítica de arte

La Fundació "La Caixa" organiza las "terceras jornada de Arte contemporáneo: Inter (in)dependencias: el comisariado para con la crítica de arte", en las que "queremos ofrecer un espacio para el debate y la reflexión sobre aspectos relativos a la práctica de la crítica y el comisariado del arte contemporáneo" (Neus Miró, comisaria de las jornadas)

Asistiré el viernes por la mañana a las ponencias de

Sara Arrhenius, directora de la Bonniers Konsthall, Estocolmo, Suecia

y

Helen Molesworth, comisaria jefa de Exposiciones en el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio 
Ya les contaré cómo será. Pueden consultar el programa completo de las jornadas en la página oficial aquí

Pierre Gonnord en la Casa Asia

La Casa Asia acoge bajo el título de "Retratos asiáticos", una exposición de 24 fotografías de gran formato del artista francés Pierre Gonnord.

Son retratos realizados en japón donde los modelos, encontrados por Gonnord, muestran una gran belleza exótica (les aceptaré una enmienda al respecto) realzada por el tratamiento unificador de composición e iluminación. Los rostros se presentan "de tres cuartos", aunque con la mirada fija hacia el espectador. Sobre fondo negro, estos bustos con iluminación lateral entroncan estéticamente con la tradición pictórica de nuestro barroco, y Pierre Gonnord consigue así elevarlos a la categoría de la nobleza aristocracia occidental.

Debo decirles que escribir lo anterior ha sido una revelación para mi. Salí de la exposición maravillado por la belleza de las imágenes. Ahora lo que pienso es que tras esa belleza hay una explicación del mundo melíflua, perversa y peligrosa.

Y algunas declaraciones que se encuentran en el corto video que completa la exposicón, son de una coherencia pasmosa con respecto a su trabajo:

"tener un proyecto fotográfico ayuda a entrar un poco más en el tejido de diversidad social en una ciudad de cuatro millones de habitantes"

"como ser humano. cuando estás con el otro el otro es parte de ti"

"me pregunto qué hay de los demás en mi y qué hay de mi en los demás"

Es decir: frases hermosísimas que tapan una contradicción (buscar una suerte de yin-yang social mediante el retrato preciosista y artificioso de ejemplares de otras étnias) irresoluble.

Merecería un post aparte el magnífico escenario de la exposición. La Casa Asia está situada en el Palau Baró de Quadras, un palacete modernista de Puig i Cadafalch catalogado como Monumento Histórico Artístico de Interés Nacional.

Hasta el 16 de abril.

Diane Arbus. Revelaciones

D   I   A   N   E     A   R   B   U   S
R  E   V  E   L  A  C  I   O  N   E  S

CaixaForum, Av. Marquès de Comillas, 6-8, Barcelona.
Hasta el 14 de mayo de 2006

“A photograph is a secret about a secret. The more it tells you the less you know”

Me consta que la reseña llega con retraso, dada la gran repercusión en prensa que ha tenido esta exposición. La dicha, sin embargo, es buenísima.
La obra de Diane Arbus se ajusta a sus presupuestos:

PROGRAMA PARA UN PROYECTO FOTOGRÁFICO
“American Rites, Manners and Customs”
(Ritos, usos y costumbres americanas.

“Quiero fotografiar las ceremonias dignas de consideración de nuestro presente porque mientras vivimos a quí y ahora, tenemos tendencia a percibir sólo lo que es aleatorio, estéril e informe. Mientras lamentamos que el presente no sea como el pasado y perdemos la esperanza de que se convierta en el futuro sus innumerables hábitos inescrutables permanecen a la espera de un significado. Quiero reunirlos como haría una abuela preparando conservas, porque habrán sido muy hermosos. (...)”(2)
 

Y particularizando:

“Lo que más he fotografiado han sido monstruos.

 

 

 

 

 

Fue una de las primeras cosas que fotografié, y ha sido terriblemente estimulante para mi. Simplemente solía adorarlos. Aún adoro a alguno de ellos. Con esto no quiero decir que sean mis mejores amigos, pero me han hecho sentir una mezcla de vergüenza, temor y asombro. Existe una especie de leyenda acerca de los freaks (monstruos). Como ese personaje que en un cuento de hadas te detiene y te exige que resuelvas un acertijo. La mayoría de la gente se pasa su vida temiendo vivir una experiencia traumática. Los freaks nacieron con sus traumas. Ellos ya han pasado su prueba.

 

Son aristócratas.” (1)
 

¡Y vaya si lo parecen!

Además de fotografías, pueden leer allí mismo los libros que se han editado a propósito de la obra de Arbus, ver algunos volúmenes de su biblioteca y acceder a reflexiones recogidas en sus cuadernos de notas:

“Cuando empecé a fotografiar, solía hacer copias con mucho grano. Me fascinaba el efecto que daba el grano; era como una especie de tapicería hecha de puntitos. La piel era lo mismo que el agua; el agua era lo mismo que el cielo y además trabajabas sobre todo con luz y sombra y no tanto con carne y sangre...”
Diane Arbus. Clase magistral, 1971(2)
 

Para uds., fetichistas de la tecnología retro pueden ver en CaixaForum la Nikon F 35 mm con Objetivo de 50 mm i la Rolliflex gran angular 2-1/4; las dos máquinas de la artista.

“(...) la otra cámara, que no es más que una maldita seductora, en la que ves lo que vas a obtener pero con la que no obtienes lo que has visto (...)
Carta a Marvin Israel, C. Noviembre de 1960

La irritación que suscitaba en ella las limitaciones impuestas por el objetivo de 35 mm llevó a Arbus a experimentar con una Rollefflex 2 ¼ de dos objetivos que le permitía

 

establecer una relación mucho más directa con la persona a la que estaba fotografiando.(2)

 

Hay quien ve en la fotografía de Arbus la dignificación de los marginales. Lo cierto es que en la mayoría de sus fotografías yo no veo tal cosa. Lo que yo veo es una cuidadosa búsqueda del modelo "extraño" y de su pose "extraña", mostrada con naturalidad. Y ahí nos clava el dardo, porque nos muestra la deformidad de unos seres con los que compartimos la identidad colectiva. Me temo que los "protagonistas" no podrían hacer la abstracción para sacar conclusiones positivas de un catálogo de "anormales".

Y lo anormal en la exposición es, precisamente, encontrar imágenes de belleza de fácil consenso como el autoretrato embarazada

 

O esta jovencita camarera de un camping nudista, que he interpretado en el dibujo de portada de esta reseña.

 

 

(1) Ángel Sánchez Harguindey en El PAÍS SEMANAL, nº 1.534. Domingo 19 de febrero de 2006.

(2) Información ofrecida en la exposición.

Columnas (de Maider López)

Maider López presenta dentro del ciclo “A medida” comisariado por Marta Gili la instalación Columnas en el Espai Montcada-Sala 4 de CaixaForum.  Se trata de una instalación de 110 pilares (que no columnas) de madera (22x41x370cm) pintados de blanco. Su carácter fictício (tan ficticio como un buen porcentaje del interior del MACBA) no le resta potencia al efecto visual y espacial del laberinto y presencias (dependiendo de que percibamos las columnas (sic) o los espacios). Los pilares están diseminados de manera irregular, tan irregular como la diseminación de los asistentes en una fiesta haciendo difícil en determinadas zonas la deambulación.

 

foto extraída de la web de la artista

Es significativo que las unidades adquieran identidad en tanto que colecivo a la vez que redefinen el espacio de la sala. La  pretensión de elementos estructurales arquitectónicos debería condicionar nuestra interpretación más allà de la puramente “espacial”.

Hoy, además de Beatriz y yo, en la sala había tan sólo una pareja.
Hablaban en francés.
Yo de francés y de tonos tristes sé lo justo para, sin pretenderlo, enterarme de que estaban rompiendo.

-C’est fini –decía él.
Ella, los ojos vidriados, se apoyaba contra la pared.

Ahí me ha parecido que la necesidad de sujetar un techo que se venía a alguien abajo acumulando columnas era evidente. Alguien podrá decirme que todo es muy poético, que las columnas en realidad no aguantan nada. Pues eso digo yo, que el techo (no digamos el cielo) no se viene abajo por una ruptura amorosa.

También digo que la experiencia del visitante es la última pátina que acaba una instalación.

 

Interzonas 06

“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez

Dentro de las jornadas de debate de Interzon@s 06 (II encuentros europeos con el arte joven) que se celebran en Zaragoza pudimos asistir el miércoles 1 a las conferencias de Fernando Castro Flórez y Laura Baigorri en el Palacio de Sástago.

 

Fernando Castro Flórez inició su conferencia calificando los posicionamientos recientes a propósito del retorno de la pintura como “naïf  sinó cínicos”. También fijó su posicionamiento inicial refiriéndose a la pintura objeto del actual impulso mediático como “horrenda” y “lamentable”.

 

Como nada es casual, Fernando nos ofreció algunas explicaciones al respecto. Charles Saatchi es una de esas explicaciones. Saatchi, tras el trágico incidente que destruyó su colección de Arte, se dedica a promocionar y a comprar por ingentes sumas de dinero arte abiertamente escandaloso. Saatchi no invertiría su gran fortuna en promocionar arte-escándalo si no supiera los grandes beneficios económicos que le reportará tal actitud. ¿Se acuerdan de la ya legendaria Sensation? En aquella exposición de jóvenes artistas británicos, que se inauguró (año 1999) en el Museo Brooklin, se mostraba la particular colección del magnate.
Saatchi apuesta por la pintura. Y apuesta por una pintura de marca Sensation. E impone el titular de las exposiciones: “El retorno esplendoroso de la pintura” (Saatchi) 

Fernando Castro Flórez es profesor de estética y teoría de las artes de la Universidad Autónoma de Madrid, crítico de arte y comisario de exposiciones. Entre sus libros destacan: Elogio de la pereza, El texto íntimo y Nostalgias del trapero.

“La pintura no viene de las cuevas de Altamira o de Lascaux.”
No sólo tiene razón, Fernando Castro Flórez tiene, además, la valentía de expresar esa evidencia en voz alta y cara descubierta; Los historiadores del Arte han hecho lo que hacen los trabajadores de cualquier otra disciplina: llevarse a su propio terreno el objeto de estudio. Y desde la rama del positivismo que es la historia y la ramita que es la historia del Arte, han convencido a todos menos a cuatro que el Arte, que la pintura, es una sucesión de hechos ligados íntimamente aunque en un proceso eterno de superación contínua. Esta reflexión es mia pero Fernando vino a decir lo mismo con mejores palabras: “la pintura es una invención más moderna”.
Fernando seguidamente nos explicó que los teóricos de la pintura fueron incapaces de ver cómo los minimalistas asumían el discurso de aquellos a propósito de la imposibilidad de una evolución hacia una la mínima expresión.
“Es imposible que los lienzos se cuelguen con chintetas directamente en la pared”
“Es imposible que se exhiba un lienzo blanco”
Fernando afirma que el minimalismo se basó “en” y no “contra” los discursos de los teóricos y criticos del arte. Por supuesto se exhibieron liezos en blanco sostenidos con chinchetas.
Los artistas trabajaban como bedeles en el MOMA. Era su manera de estar “en la pomada”. De hecho Rauschemberg fue jefe de bedeles del MOMA.
A nuestro conferenciante le debemos una imagen bella y certera: “La pintura es la balsa de la medusa de Géricault”  Es decir, la pintura es aquella madera flotando a la que aferrarnos con desesperación para sobrevivir. Y es además una imagen romántica y teatral.

“Y es que los “Antipintores” no son un fenómeno nuevo. El pintor que entierra la modernidad es Daniel Buren. Su objetivo era ser el enterrador de la pintura. Ya saben Uds. que la pintura se ha dado por fallecida en numerosas ocasiones, pero como diría Don Juan (sic): los muertos que vos matáis gozan de buena salud”. (risas)
Daniel Buren dio pie a hablar de la “táctica de la torpeza deliberada” llevada a cabo por muchos artistas. “Es el mejor antídoto ante las críticas:
-¡Qué malo es eso!
-Lo he hecho así a propósito. Es ironía.
Bricoleur, decorador y trapero. En eso se ha convertido el artista”.
 

Fernando nos advierte del retorno de lo siniestro y de lo inhóspito a la pintura y prevee un futuro abominable, sin honestidad. Y de la misma manera pero diferente, “hay pintura que no es que esté muerta, está destrozada” (en referencia al lamentable estado de los cuadros almacenados en el MNARS)

“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez

El turno de preguntas tuvo que restringirse a una sola. Lo que pregunté a Fernando Castro Flórez:
Gracias por tu conferencia, valiente y honesta. Creo que hay que reconocer públicamente que alguien se moje.
Si no te he entendido mal, has cargado la responsabilidad de la situación del “artista” contemporáneo básicamente sobre el propio artista.
En tanto que son los actores del circo del Arte los que definen el propio Arte: artistas, galeristas, curators,  directores de museo, público, coleccionistas, críticos, teóricos, etc.
¿Cuál es “tu” pintura? Me refiero a tu apuesta personal ¿Qué pintura o pintores serían los que a tu juicio en un presente ideal deberían estar reconocidos?
Te pregunto esto apelando a esa responsabilidad que anteriormente te atribuía, en tanto que teórico.

Respuesta:

“Actualmente no hay casi teoría de la pintura. Se editan libros, sí , pero son catálogos de IKEA.
Yo lo que reclamo es un poco de estudio, que leamos. No vaya a ser que digamos algo que ya se ha dicho con anterioridad.
Hay artistas que son gente honesta, que han aguantado de manera vergonzante que se les ignorara e insultara simplemente por ser coherentes y continuar pintando. El tren del “retorno esplendoroso de la pintura” no va a parar en la estación de estos pintores. Veremos como se apuesta por los últimos en aparecer que cumplirán bíblicamente con ser los primeros. Pero a los “de siempre” no les van a hacer ni puto caso (sic)
¿Artistas?
Carlos León
José Ramón Amundarain
Yo soy un teórico (dijo como justificando su mal gusto). Me interesa revelar dónde hay un discurso falso o cínico, y valoro artistas que no son arribistas
Juan Barjola, admiración no sería la palabra. Me conmueve e importuna. Eso sí.”

Y acabó la intervención de Fernando Castro Florez con la reflexión a propósito de las técnicas utilizadas, de cómo numerosos artistas son pluridisciplinares y que, en cualquier caso “la materia del Arte es la obsesión”.

Antes de Fernando Castro Flórez Laura Baigorri expuso su conferencia:

LA PANTALLA COMO LIENZO. MÁS ALLA DE LA PINTURA
La dimensión contemporánea de la no-pintura

Extraigo algunas perlas que configuran el esqueleto de su exposición:

“Cada vez que un nuevo medio tecnológico irrumpe en el arte lo hace definiéndose en relación y por contraposición a los anteriores medios (de la misma manera que sucedió con las vanguardias)”

“Cuando aparece el vídeo en el arte también hay un sector que intenta demostrar la singularidad y especificidad a ultranza del vídeo a partir del determinismo tecnológico. En un ensayo titulado "De l’art cinéma a l’art vidéo", Patrick de Haas hace hincapié en esta "absurda y persistente concepción positivista que, aliada a una lógica de la comunicación y de la estética, permite creer que todo progreso tecnológico de un medio artístico corresponde a un progreso estético.”

Laura Baigorri

“la especificidad del vídeo pasaba por definirse en contraposición al cine y a la televisión, sus enemigos naturales más próximos.”
“Así pues, el vídeo encontró en la pintura, si no un aliado, sí por lo menos un compañero de viaje.”

“Entre las múltiples aproximaciones que desde el vídeo y el net.art se han hecho a la pintura, detecto cuatro planteamientos de trabajo que buscan objetivos muy diversos:

1. Desarrollo de un lenguaje específico: “pintar en la pantalla” y “pintar con el código”.
Walter Ruttmann «Light-Play Opus I» Juego de luces
http://www.medienkunstnetz.de/works/opus1/video/1/
Para Paik el videosintetizador se revela como la herramienta definitiva para la creación del lenguaje plástico videográfico.
http://www.medienkunstnetz.de/works/video-commune/video/1/”

Laura también nos ha enseñado obras de Stephen Beck, Nam Hoover, Woody y Steina Vasulka,…
En cuanto al trabajo de código, el artista más recurrente ha sido Casey Reas, quien asegura “escribir software para dibujar formas orgánicas”
http://www.stanza.co.uk/amorphoscapes/painters/index.html

“Se puede hablar de influencias, de contaminaciones, de hibridación, de paralelismos, de una cierta inspiración, incluso de homenajes, -y una panorámica de esto es lo que he pretendido mostrar aquí- pero el videoarte y el net.art no son otras formas de abordar la pintura; simplemente son otras formas de arte. ¿Por qué?

Porque el videoarte y el net.art son artes basadas en el tiempo, no en el espacio. Están más próximas a la música y a la performance que a las artes plásticas.”

2. Experiencia profesional en la pintura como un recurso más a la hora de realizar sus obras.
Christine Schlegel «Strukturen II» (1984)
http://www.medienkunstnetz.de/works/strukturen-ii/video/1/
- Nicolas Clauss. “Dervish Flowers” (2003)
http://www.flyingpuppet.com/shock/dervish.htm

3. La pintura como referente, o como excusa, para desarrollar propuestas más conceptuales e irónicas.
En “Promo” (1976), por ejemplo, Chris Burden juega con el poder de legitimación que otorga una disciplina tradicional como es la pintura, para legitimarse el mismo como artista
http://www.medienkunstnetz.de/works/chris-burden-promo/ 

4. Pintura como inspiración, rindiendo un homenaje a los clásicos.”
De aquí destaco a Bill Viola, concretamente su serie
The Passions (2003)
http://www.getty.edu/art/exhibitions/viola/index.html

Tal y como haría después Fernando, Laura Baigorri cerró su conferencia con una reflexión a propósito de la técnica utilizada por el artista. En este caso tecnología y en palabras de Eduardo Kac:

“La tecnología es importante, pero sólo como potenciadora de la obra. Muchos artistas se limitan a utilizar las nuevas tecnologías con la esperanza de otorgar valor a unas obras que, de hecho, están vacías. Eso es lo que una vez alguien definió como “desaprovechamiento de la tecnología al servicio de la falta de creatividad”.

EL (PLEITO EN EL) ARTE EN LA EPOCA DE INTERNET (+CF2)

EL (PLEITO EN EL) ARTE EN LA EPOCA DE INTERNET

De Warhol al artisterrorismo, o este gazpacho no es lo que era
Patentes y marcas: Con la Iglesia hemos topado, amigo Sancho

Resumen de la Conferencia de Laura Baigorri en Santa Mónica (BCN) hoy a las 17 h (copyfight2)

Laura ha presentado los casos más paradigmáticos de proyectos artísticos y activistas de internet que han tenido que hacer frente a demandas judiciales, así como las estrategias de defensa utilizadas por los demandados.
La primera estrategia fue reivindicar las acciones como pertenecientes a un entorno artístico. Dicha estrategia ha funcionado en casos conocidos como el de NIKE de los O1. Sin embargo, NO SIEMPRE EL ARTE PUEDE PROTEGER DE LAS CONSECUENCIAS LEGALES DE ESTE TIPO DE ACCIONES

Los artistas comprometidos han comenzado a ser un problema; es decir, se han comenzado a tomar en serio sus acciones.
El contexto que permite eludir realmente la responsabilidad legal de las acciones es el Artístico-Empresarial.

El Caso de Voteauction, un proyecto de simulación que pretendía pasar por una empresa que subastaba los votos al mejor postor. El proyecto fue apadrinado por la compañía rtmark cuando empezó a tener problemas legales. rtmark está legalmente constituida como una empresa para poder aprovecharse de los mismos derechos que las corporaciones estadounidenses; sobre todo el de la "responsabilidad limitada". Eso significa que si alguna de sus acciones de sabotaje tiene consecuencias desastrosas, a los propietarios o accionistas no les ocurrirá nada; sino a rtmark. Entonces puede declararse en bancarrota, o pueden obligarla a disolverse, pero las personas, ellos y sus inversores quedan libres de toda responsabilidad. El proyecto fue vendido a la empresa austriaca Ubermorgen.

Entonces mientras Baumgartner, el creador del proyecto, aconsejado por sus abogados, se desvincula por completo de Voteauction, empieza a difundir que se trata de una broma y apela en su defensa a la libertad de expresión (Primera Enmienda de la Constitución EEUU); Ubermorgen decide darle la máxima publicidad al asunto: actualizan la página, dicen que es un nuevo modelo de negocio y aseguran que esto sólo es la prefiguración de una gran campaña que pondrán en marcha en las sucesivas elecciones europeas.
Respuesta: Los estados de Missouri, Wisconsin, Chicago, Arizona, Nevada, California, Massachusetts, Nueva York interpusieron demandas contra el website basándose en el comercio ilegal del voto.

Una de las demandas provocó el cierre del dominio con el servidor en Suiza. Se trataba de una demanda vía email (que no tiene valor oficial) al servidor de un país que está fuera de jurisdicción americana.
Desafiante Ubermorgen asegura: “No estamos sujetos a las leyes de cada estado de los EEUU, sólo a leyes internacionales. Y no sólo no estamos haciendo nada ilegal, sino que creemos en la viabilidad económica y empresarial de la idea".
A los casos de rtmark/Ubermorgen se añade el caso etoy como ejemplo de grupo artístico constituído legalmente como empresa. “En EEUU esta decisión es vital para la supervivencia porque protege legalmente en el país donde las corporaciones disfrutan de más ventajas legales que las personas.

Laura Baigorri acaba su ponencia con una serie de lemas (apunten, apunten)

“No se trata de utilizar o no utilizar la tecnología; la cuestión es si lo hacemos nosotros mismos, o se lo dejamos hacer a las grandes empresas" Rop Gonggrjip - hacker:

“Tras el mayo del 68, pensé que el tiempo de las barricadas ya se había cumplido. No se puede lanzar piedras cuando los otros tienen helicópteros y satélites. La próxima resistencia se deberá situar en este nivel.” Nam June Paik (1974)

No se puede seguir utilizando las viejas estrategias (sobre todo cuando los otros tienen abogados) Los artistas deben situarse al mismo nivel que las empresas

Moraleja: no sean artistas, no sean activistas: sean empresarios

COPYFIGHT2

Me perdí el jueves, pero el viernes 27, me planté en Santa Mónica una hora antes de comenzar el evento dedicado ese día a la música. Pillé a los organizadores acabando de comer y acepté la hospitalidad de un agradable hueco y un café. Se ve que son todos muy buena gente.

A las cinco de la tarde nos dio la bienvenida Óscar Ascaso y cedió la palabra a José Luís de Vicente quien introdujo a Nacho Escolar. Estuvo bien, Nacho. Explicó como sorprendido que Jose María Cámara, Chairman de Sony-BMG e “inventor del negocio de la música en España” le había explicado a cierto productor ejecutivo que “entre los diferentes tipos de música se escucha más música que nunca. Datos como el 5% de caída de las ventas al que se opone una duplicación de beneficios por música en directo cuadran con las cuentas de la SGAE: “nunca antes la música había generado tanta economía. Debo decir que Enrique Dans ya nos dijo algo.

Nacho es un tipo generoso que tira también de datos propios, de primera mano, para hablar con mucho conocimiento de causa. Revisó su texto clásico Por favor, ¡pirateen mis canciones!”. Léanlo y reconocerán la vigencia del mismo

Nacho Escolar atendiendo a su público en el turno de preguntas.

A las 18 horas empezó la conferencia de David Bravo. aquí les dejo una foto del único momento en el que no estábamos partiéndonos la caja.

TODAVÍA ME DUELEN LOS ABDOMINALES DE REIR.

¡Por favor! ¡Qué manera de reir y qué manera de llorar de risa!

vean un par de videos para captar el tono discursivo de David y el contínuo descojone del personal.

y también

Los ha subido éste (http://bgta.hollosite.com/blog/) quien también hace su crónica del Copyfight y alarde de mal gusto en algún comentario.

A todo esto, el discurso de David Bravo es impecable en cuanto a estructura y argumentación. Quiero decir que demuestra que ser divertido no está reñido con ser riguroso.

David dio su particular definición de las redes peer to peer. Para él son bibliotecas universales. Claro, no es una descripción, es un sinónimo, un nombre alternativo. David sabe de la importancia de cada palabra. Así, el uso de la palabra piratería para referirse a las p2p no hace sino marcar el fenómeno desde el momento en que se nombra con una fuerte carga negativa.

“El problema básico es considerar la propiedad intelectual igual que la propiedad tradicional”-dice David Bravo. Los nuevos contratos discográficos intentan incluir todos los derechos derivados de la creación: merchandising, management, conciertos, etc. Son los llamados full-right contracts.Y más. , Teddysound hace firmar claúsulas contractuales por las que los artistas se obligan a tener una opinión contraria a la llamada “piratería”.

Tras el turno de preguntas hicimos un breve descanso de 10 minutos en , más que suficientes para comprobar que el precio de la cerveza a 2.40 Euros sí es un acto puramente pirata por parte del bar del centro.

Se pasó a la “mesa redonda”. De izquierda a derecha: Óscar Abril, Marta Peirano, David Bravo, José Luís de Vicente, Antonio Córdoba y Nacho Escolar.

Uds, que exigen una consecuencia de cualquier fenómeno, probablemente se quedarían con que entre ellos había diferencias en más de un tema, pero mo dijo el Sr. Córdoba: “vale ya, me aburre discutir entre los que estamos en el mismo lado”

Y también:

“Tenemos que hacernos una parcela, un barrio cultural, una frontera que marque la línea de separación con los otros. Un refugio de cultura libre. Lo primero que podemos hacer es pararles los pies” -más o menos vino a decir, cerrando filas.

A continuación se dio paso a la charla a cargo del artista danés Mogens Jakobsen (mj.artnode.org y www.mogens.info), que presentaba en el centro la obra CRIME SCENE. (Corto y pego de la web del Copyfight:)http://www.elastico.net/copyfight/casm_cast_conf.htm “Crime Scene es una pequeña red “Peer to Peer” de sólo dos ordenadores. Cada ordenador
almacena en su disco duro una serie de materiales protegidos bajo copyright (programas comerciales de software, música y vídeos). En este circuito cerrado se está intercambiando información de alto valor comercial. El valor hipotético
de los bits - y la presunta ilegalidad de la acción- es consecuencia del estátus legal de los archivos almacenados. Los archivos en esta red nunca llegan a ser utilizados: los MP3 no se reproducen, la copia de Photoshop nunca se llega a instalar.”

A todo esto la sala estaba tal que así

Y lo que a otros unas 100 personas les parece poco, a mi me parecen muchas. Uno, fácilmente puede decir aquello de “he toreado en peores plazas”. Cierto que no se podía comparar con el Copyfight del CCB; pues eso, que no hay que comparar.

A lo que íbamos: Jakobsen fue traducido por José Luís de Vicente. Aquí los tienen atentos al genuíno powerpoint de apoyo.

Jakobsen dio las gracias pertinentes e incluyó a la policía por su colaboración. Si se fijan verán por qué. Pero vayamos a “Crime Scene”:

What is going on?

Looking for shared files on network

Compiles a list of shared files

Chooses one file

Copies this file across the network

What is not going on?

Files are not utilized

The files are not used for anything

-but the copying action

It’s not a jukebox/not a playlist/not iTunes

No music is played

Files are not shared outside the 2 computers

Jakobsen nos habló de otras obras suyas que tratan el copyright como:

www.kanonkultur.dk (2005-2006)

Modified software (2004)

Bentham- A web Camix (2002)

E hizo su particular apología de las redes P2P y de las licencia Creative Commons.

Y finalmente nos explicó la dantesca ley de derechos de autor en Dinamarca, donde a base de proteger, ahogan al artista, que cede de por vida sus derechos.

Bien, aquí tienen “Crime Scene"

Mi pregunta fue si realmente fiuncionaba. Es decir, si realmente se trasferian los archivos. Estamos acostumbrados en el mundo del arte a demasiados trabajos basados en la simulación. Dije que además, en el caso de Crime Scene, si todo era simple fachada (simple escena), la fuerza metafórica se mantenía intacta.

Jakobsen respondió con un “nos planteamos hacer la instalaciones con Ipods, pero tecnológicamente era demasiado complicado para nosotros”

finalmente, mi tendencia natural a mirar las partes traseras les permite a Uds. ver cómo el personal congeniaba, Homenaje 04 (D.O. Navarra) mediante

 

basicamente puedes hacer lo que quieras

Maurici Torner, Espai “f”. Del 23 de desembre de 2005 al 5 de febrer de 2006. Patronat Municipal de Cultura. Mataró.

Maurici Torner, joven, del 76, presenta una instalación consistente en un espacio blanco (incluso se ha enmoquetado el suelo de color blanco) en el que unos dibujos lineales hechos con cinta aislante roja ilustran arengas vitales tan absurdas como revolucionarias:
“terrorismo corporal como fuente de ingresos”
“proceso mental de evaluación: ¿Es esto realmente la felicidad?”
“pisa sin miedo (nadie te conoce)”
“lo que puedas hacer con una mano atada es suficiente”
“átate a cualquiera que pase por la calle. Haz barricadas humanas”
“Psicoanaliza los gestos de las manos. Es todo tan obsceno”
“lame tu brazo e intenta digerirte a ti mismo”
También ofrece al visitante etiquetas con la leyenda “TOMA UN ESPACIO. LIBÉRALO” (PREN UN ESPAI. ALLIBERA’L)  para expandir la acción simbólica.
Y bajo repetidos “Gratis”, el espectador encuentra el texto-manifiesto. Dice así:
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ pasan cosas alrededor y nos hacemos capaces de entender y no pensar demasiado por si duele.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ llega la primavera y ya caen las hojas, y ya sabes qué haras en fiestas.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ sales a la calle y todo se mueve solo, miras al cielo y ves un pájaro.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ mañana, sea la hora que sea, sube a una silla i di –El arte, si es esto, ¡No me sirve de nada!
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ puedes comprar yeso, dibujar un cuadrado en el suelo y quedarte allí un rato.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ el otro día pensaba ¿A qué somos capaces de renunciar per vivir todos mejor?
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ ni siquiera bolitas de tabaco enganchadas minuciosamente en la pared te harían levantar la cabeza del suelo.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ toma una actitud, si quieres modifícala, pero actúa, nunca fuiste así.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ cuestiona, pregunta, duda. Todo es manipulable, ¿Recuerdas?
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ permanece cabizbajo durante días. Sin razón permanece cabizbajo, serio y malhumorado.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ emigra. Ve a vivir a a otra región y deslocalízate. 
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ siéntate en el banco del parque y analiza. Busca esquinas por donde se derrame la ley.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ acaba del trabajo puntual i vete al bosque, agáchate y huele la tierra, y si no está húmeda, ¡mójala!
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ procura ser más bueno hoy. Lo dice tu madre y ella no se equivoca demasiadas veces.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ vocaliza. Mándalos a la mierda, pero vocaliza.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ asómate al hueco de la escalera i mnota bajar la sangre a la cabeza.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ prostitúyete cuando sea necesario y asegúrate de no dejar pistar. La fama todavía te va amplia.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ tres hombres esperan el tren, el del centro rie y los otros piensan es que es estúpido.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ vivamos como viven más allá. Quitemos los fusibles hoy.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ el mando del dvd tiene una forma camufable, escóndelo, escóndelo y di que no sabes nada.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ demasiados gritos y demasiadas ostias. Haz un titular bien bonito y véndelo.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ si me afeito demasiado a menudo se me irrita la cara... pero ayer no lo hice y me irritaste.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ corramos calle abajo gritando “¡Que vienen, que vienen, que vienen!”, paremos en un bar y comamos unas tapas.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ rascame el cuello, que yo con el corazón roto sólo me llego al estómago.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ y al final saldremos riendo y cantando y haremos ver que somos más persona.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ coge todos los carros que encuentres, apílalos y hagámos una caseta en la sección de fruta del súper.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ nos devolvemos la mirada, quizás porque mirar es gratis, a veces.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ envolvámonos con plástico los brazos y las piernas y esperemos a que alguien nos dé limosna.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ localiza ventanas desde donde sería bonito ver la calle. Anótalo en una libreta.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ vivamos más, vivamos con “b”, Bibamos, bibimos, ¡Pues!
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ los dedos me huelen a droga, pero te juro que sólo te he tocado a ti.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ en verano iremos de vacaciones bien lejos. Cuanto más lejos más pronto nos encontraremos.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ no sé si pensar demasiado qué me da todo esto. Podría ser muy patético.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ y tú me preguntas a mi qué me importa todo esto . Y yo te digo que no demasiado, pero te enfada.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ un día salí a la calle con los bolsillos llenos de papelitos que dejaba temeroso en los buzones
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ iré a un todo a cien y me enamoraré de una pieza de porcelana, y viviremos siempre juntos.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ de noche salgo al tejado a escuchar, y cando no oigo nada me da miedo.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ llévate este papel a casa que quizás lo necesites para apuntar mi teléfono
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ quema hasta reducir a cenizas el rencor que tienes escondido dentro, después llévalas al bosque y deseales mejor vida.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ pega fotos misteriosas en las paredes y escribe en ellas sólo una fecha.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ si llueve, sal a la terraza y empápate. Así tendrás una excusa para consumir comprimidos.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ lanza fichas de domino por todos lados, por encima del sofá y pregúntate quién ha ganado.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ busca desesperadamente una aguja en el cajón del comedor y cuando la encuentres utilízala para sacarte los aguijones.
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ fotocopia esta hoja 10 veces. Repártela entre tus conocidos. Tendrás suerte en menos de una semana. ¡Éxito del 100%!
Básicamente, puedes hacer lo que quieras_ toma café y envalentónate. A veces probarlo sin azúcar.
(traducción del catalán por Jesús Bordas)
La web oficial aquí (catalán)

 

 

 

Jo Spence en el MACBA

Bien, mis reseñas son notas personales, pequeños documentos que probablemente no sirvan a nadie más. Como lo doy por hecho, y por si les interesa una nota de prensa que merezca tal nombre, les dejo el enlace de la del MACBA.

(off) Jo Spence es una feminista activa conocida como fotógrafa artística.(/off)Hetchet, Claire, Jo Spence, a Personal Journey (video explicativo)
El viaje al que se refiere el título del video es el que la lleva (tras diagnosticársele un cancer de mama) desde el odio hasta el amor por su cuerpo mediante la fotografía.
Jo Spence se interesó por su personal libertad de acción ante el cirujano y ante la situación que se encuentra cualquier interno. Descubrió que podía preguntar, replicar, actuar.

Habla de las técnicas coercitivas de los médicos para convencerla de hacer la radio y la quimioterapia.
"No acabas de entender que estás en una institución ligada a la indústria farmaceútica".
"PROPERTY OF JO SPENCE?" se rotula sobre el pecho izquierdo.
Si odiaba tanto mi cuerpo, ¿Por qué tomarme la molestia?
"Como cualquier persona a quien la sociedad tache de minusválido, acabé teniendo una imagen muy negativa de mí misma. Si tu cuerpo no te gusta ¿Por qué deberías darle de comer bien?"
Jo Spence se refiere en diversas ocasiones al "silencio" que obtiene como respuesta a su acción artística-terapeútica de retratarse.
"fui recibida con el más absoluto silencio porque la gente no sabía qué decir ante "esa mujer que va por ahí desnuda" y "Los teóricos me habían recibido con un silencio absoluto"
"En términos psicoanalíticos el silencio provocó en mí más ganas de ruído" Eso fue, junto a su adicción al trabajo, determinante para crear prolíficamente. Más adelante matizará: "pero la verdad es que sí me escuchaban pero yo no me daba cuenta"

Jo posa sobre una cama, es la típica pose en que se suele fotografiar a los niños o bebés.
La foto recrea y se contrapone a la suya de la niñez "era una forma de representar la cruel cuestión de la memoria". "Hay "recuerdos encubridores", que actúan escondiendo traumas. "Iba arriba y abajo, como Alicia en El País de la Maravillas."

Jo Spencer habla de la "validación". Creo que su definición habla bien a las claras de su compromiso como artista, feminista y educadora: "La validación para mí es saber que soy útil para mi colectivo" y "Políticamente hablando lo importante es que el colectivo al que perteneces te valide."

"creo que no hay un lenguaje positivo para el envejecimiento."

"Con la fototerapia te das cuenta de que todo es un gran teatro."

"Gracias Cuerpo. Millones de gracias, Cuerpo."

(feliz fin de trayecto-añado)


Narratives of Dis-Ease, Spence, Jo / Sheard, Tin ,1989.
Jo Spence abrazada a un oso de peluche
plegándose para alcanzar sus zapatos rojos de tacón
enseñando el BOOBY prize junto a su pecho deformado por la operación
"MONSTER" escrito sobre el pecho de Jo Spencer.

Phototherapy, Spence, Jo/ Martin, Rosy, 1982-1989
Con una cruz a rotulador sobre su pecho izquierdo
Transformada en objeto etiquetable
Metida en muchos y diferentes roles.

Libido Uprising, con Martin, Rosy+Robert/David
Serie fotográfica en la que Jo Spence enfundada en un body de encaje negro se mancha manipulando pintura roja. La primera fotografía nos da a entender que la pintura representa la sangre menstrual.
Posa con su aspiradora, icono por excelencia de la tecnología aplicada a un mayor rendimiento del trabajo doméstico.

Mientras escribo la reseña de la exposición y esperamos el advenimiento de la chica, que entre tímida y divertida se remanga el vestido, pueden hacer boca con 1, 2, 3 y 4 fotos del interior de teatro museo de porexpan proyectado por el escenógrafo arquitecto Richard Meier.

GAME AS CRITIC AS ART. LA CRÓNICA

/////////////////////////ACTUALIZACIÓN 12/01/2006//////////////////////////

GAME AS CRITIC AS ART. LA CRÓNICA

Laura Baigorri ha hecho puntualmente su presentación de los contenidos a tratar en la jornada de debate y reflexión. Nos ha presentado de forma resumida las credenciales de todos los ponentes, haciendo visible el común denominador de todos ellos: son creadores de juegos y jugadores. Se anuncia que la mediateca subirá a >su web los videos del evento.

A las 10.30 h Gonzalo Frasca (teórico y creador especializado en juegos sociales y políticos. Center for Computer Game Research. Copenhague) toma la palabra para empezar con una “declaración de Amor”. Señala Gonzalo que normalmente el preliminar se denomina “agradecimientos”, pero dadas las circunstancias era más adecuado hablar de “declaración de Amor). Las circunstancias a las que se refiere son las características qualitativas de las propuestas y escenarios de La Mediateca y “el plantel” de ponentes reunidos por Laura Baigorri para la jornada; autores que él mismo reseña cada vez que da una conferencia. Se reconoció como ante el escaparate de una tienda de videojuegos o componente por un día de un “Dream Team”.
Seguidamente expresó su rabia y habló de la irresponsabilidadd el informe del defensor del menor “Videojuegos, menores y responsabilidad de los padres” (13/12/05)
¿Quien teme a los videojuego? Se pregunta Gonzalo Frasca en su powerpoint de apoyo y contrapone las supuestas imágenes de violencia de los videojuegos a la Capercita Roja, ilustrándo via el proyector con la Little Red Riding Hood de Gustave Doré. A continuación nos ofreció (High Score incluído) unos datos especulativos sobre las muertes estimadas por videojuegos y las atribuíbles a libros: la Biblia, Mein Kampf y el Capital.
“si se preocupan por la violencia quemen las librerías” ha venido a decir en un tono evidentemente sarcástico.
“Las historias cuentan eventos, los juegos enseñan reglas”
Gonzalo nos ha hablado de la película Kamchatka, en la que se explica una estrategia vital de lucha y resistencia.
Y que “hay cosas que se aprenden jugando”
Política y entretenimiento masivo. Violencia policial, inmigración, niños de la calle, fascismo, lucha de clases, tecnología, trabajo…juegos que contrapuestos a la política y al desarrollo del lenguaje fílmico para sentenciar que “el siglo XX fue del cine y el XXI lo será de los videojuegos”.
Juegos políticos Umplugged
Gonzalo nos ha enseñado algunos juegos políticos avant la lettre. Tras una referencia al ajedrez como “juego que consiste en sacrificar peones” hemos conocido (es un decir) a
Elizabeth Magie Phillips (1866-1948)
Actriz, Inventora, activista y (quizás entre otros) diseñadora de juegos. Diseñadora del Juego del terrateniente (The landlord’s Game),
el precursor del Monopoly. “El objetivo del juego no es simplemente entretener a los jugadores sino ilustrar cómo…
(mejor lo leen aquí)
En cualquier caso el juego deja claro que “los terratenientes tienen una ventaja con respecto a sus competidores...”
Panko o Voto para mujeres (circa, 1910), es otro juego de mesa de carácter político
A continuación Gonzalo Frasca ha pasado a hacernos partícipes de los juegos en los que ha trabajado últimamente. Los tienen todos aquí
Estos juegos fueron comparados con otros como el juego feo donde los haya Tax Invaders , el Food-force , o el propagandístico y oficial America’s Army “Putting “fun” back into fundamentalism”
Fotos del momento: 1
y 2
Respecto a September 12th:
-“Fuimos amenazados de muerte”
y
-“pretendo generar debate; la gente valora el juego (me gusta o es una mierda, o lo que sea) pero rápido pasa a debatir sobre política internacional”

(les enseñé a mis alumnos jubilados del “Aula Sènior de Internet” September 12th y causó una gran y grata sensación. Así se lo hice saber a Gonzalo Frasca tras su conferencia. Previamente había dicho tras presentar Madrid que “lo bueno de hacer videojuegos es el feedback que tienes”)

Así como Frasca hace partícipe a Howard Dean for Iowa Game del fracaso de la campaña electoral para la cual fue creado, cambiemos es mostrado orgulloso por la parte alícuota de responsabilidad en la mayoría absoluta de unas presidenciales. Y añadió: “Aprendimos el secreto, así que si algún partido quiere contratarme…”
La conferencia ha dado hasta para Lecturas recomendadas: Games for Actors and no Actors, una biblia del videojuego político de Augusto Boal, el “Gardel” del tema.

Por qué los videojuegos tienen la capacidad de provocar un cambio: por que permiten experimentar, exigen riesgo y capacidad de asumir errores, derivan en aprendizaje, enseñan la existencia de caminos alternativos y a manejarnos en múltiples escenarios.

En referencia a los peligros del compromiso político Gonzalo Frasca se dirigió a su audiencia con una sentencia cargada de autoridad moral:
“Los videojuegos no deben ser divertidos (no quiere decir que sean aburrido)”
Y (traca final)
“hay que jugar con fuego. Cierto que nos podemos quemar, pero el fuego es fuente de calor y de luz”
En el turno de preguntas intervine para darle las gracias por su espectacular conferencia. Respondió dirigiéndose al público que él me pagaba por decir esas cosas. Aproveché la coyuntura para preguntarle si colaboraría en mi campaña de las municipales de 2007. Dijo que habláramos. Que seguro que no trabajaría con grupo alguno que defendiera una ideología opuesta a la suya. Ya rechazó a los Republicanos.



11.30 Radwan Kasmiya, ingeniero electrónico, profesor y creador de videojuegos, Siria
Primero la foto
Radwan Kasmiya quiso dejar claro desde el primer momento que él era la cara visible de un equipo, en concreto de Afkar Media .
Afkar Media es una empresa dedicada a la creación de video juegos basados en la experiencia vital del pueblo palestino.

Under Ash , el primer videojuego Árabe, creado durante el levantamiento de la primera intifada, del que se han vendido la extraordinaria cifra de 50.000-80.000 unidades (entiendan que se vende en el tercer mundo (sic) donde la cultura es básicamente de copia) y 1.000.000 de descargas, contando con una velocidad de transferencia para los usuarios target de 28Kbps. Por qué este éxito?
1.“Queríamos contar una historia humana. Profunda.”
2.“El concepto: Presenta la historia moderna de palestina a generaciones non-reader, por explicar historias humanas poderosas y Up, close and personal!”
El tema de Underash es “tenemos derecho a vivir con dignidad” y sepan que el juego de verdad empieza tras una matanza en la mezquita de Hebrón a modo de introducción.
Los personajes son arquetipos que forman una familia-tipo palestina.
Undersiege no está financiado, al final no hay héroes. No hay victorias. Cada uno encuentra sus propias respuestas.

« ¿Tienes lo que hace falta para pasar a la historia ? »
Quraish es un juego de estrategia en tiempo real sobre el surgimiento del Islam. No es un juego religioso. Aún con todo, Radwan Kasmiya nos explica los numerosos problemas a los que se enfrentan, desde las amenazas via e-mail, el boicot de empresas de software que no les dan licencias para utilizar recursos (“es muy duro tener que volver a inventar la rueda una y otra vez”) e incluso la migración de cerebros a (por ejemplo) Microsoft. (“sepan que Microsoft no distribuye su windows XP professional en nuestro país”)
Dejo aquí una pregunta retórica de Radwan Kasmiya que no les contestaré: “Por qué un grupo de tíos como vosotros están trabajando tanto por 200/300€ al mes?
Quizás les interese saber que Afkar Media se considera una empresa de mercado, que está interesada en tener éxito con sus productos para seguir trabajando y que no pueden salvar el boicot de las empresas de software tirando de programas opensource porque dichos programas no tienen la calidad que ellos necesitan (en turno de preguntas)



12.45 Anne Marie Schleiner, Opersorcery, creadora y especialista en
modificaciones de juegos, EE.UU. y Luís Hernández
Las fotos:
Anne Marie Schleiner, Luís Hernández y Laura Baigorri
Anne Marie Schleiner y Luís Hernández
Marie presentó su sitio y los proyectos que allí se alojan, mediante una peregrinay desalentada demostración trabajos como velvet-strike(un trabajito de colaboración) y O.U.T (Operation Urban Terrain)
Luís Hernández, por su parte, intentó una demostración y explicación básica de corridos . Les animo a que lean la información de primera mano.
Estos proyectos de la tercera intervención del día necesitan para su comprensión de un repaso personal (o de una explicación adecuada); parecen de interés general, pero explicados con jet lag (vamos a ser muuuy generosos).

No asistí por la tarde, es lo que tiene ser incapaz de desdoblarse.
Sean felices o no, pero jueguen


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Queridos y Queridas,

estaré toda la mañana en Game as Critic as Art (vayan más abajo) y volveré tarde para comentar lo que convenga. Mientras, si es que han desestimado asistir al evento, pueden distraerse con la chica del mapa. Antes no olviden medir su deseo.

xxxj

Arte ilegal (copyfight)

ACTUALIZACIÓN 10/01/2006. A riesgo de malograr mi record absoluto de visitas diarias, cambio el dibujo nº2 por otro de estética 1976. Disculpen mi renuncia, pero no me apetece nada que un aquipo de abogados me joda la vida. Si alguien quiere ver la escena sin censura puede solicitarlo educadamente via correo y gustasamente atenderé la demanda ( vayan, vayan abajo) <br>

al parecer, las palabras que tanto nos sirven para unirnos como para separanos, podrían evitarme algún que otro problema.

Copio y pego a modo de reseña. Volveré a este post para actualizar con mis impresiones del evento.

"Habiendo abordado ya la crisis del sistema de creación, distribución y gestión cultural dominante en los ámbitos de la escena digital, la música o la literatura, CopyFight recala ahora en el Centre d’Art Santa Mònica para analizar la cuestión de los derechos de autor en las artes visuales."

(...)

"La creciente influencia de la escena copyleft en el ámbito de las artes visuales o el papel de las entidades de gestión de derechos de autor serán alguno de los aspectos que se tratarán a través de un extenso punto de consulta con documentación en todos los formatos, y en el simposio "Arte Ilegal", que reunirá en febrero (1,2 y 3) en Barcelona a artistas, gestores, críticos y activistas en pos de la reforma de la propiedad intelectual. "

Game as Critic as Art

Jornada de debate y reflexión GAME AS CRITIC AS ART

Jueves 12 de enero en la Mediateca de La Caixa

(CaixaForum
Av.Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona )

A lo largo de la jornada, autores y especialistas debatirán sobre el sentido y la orientación de los juegos de PC creados por artistas, sus objetivos y el poder socializador y educativo de este tipo de propuestas.

Los temas que se abordan se agrupan en torno a problemáticas actuales como la emigración, la discriminación racial y religiosa, las visiones históricas mediatizadas o la guerra. Los proyectos responden a algunas de las estrategias que adoptan los creadores, como la de convertir la recompensa en fracaso, establecer nuevos sistemas de justicia social o utilizar la violencia simulada para denunciar la violencia real.



Programa

10.00 h Presentación: Laura Baigorri

10.30 h Gonzalo Frasca, teórico y creador especializado en juegos sociales y
políticos. Center for Computer Game Research. Copenhague

11.30 h Anne Marie Schleiner, Opersorcery, creadora y especialista en
modificaciones de juegos, EE.UU.

13.00 h

Radwan Kasmiya, profesor y creador de videojuegos, Siria

16.00 h Katharine Neil, directora creativa de Escape from Woomera,
Australia, y Flavio Escribano, creador y especialista en videojuegos, España


17.30 h Rafael Fajardo, teórico y creador de juegos on-line, EE.UU.

19.00 h Mesa de conclusiones con la participación de todos los ponentes



Coordinación: Laura Baigorri, crítica de arte y profesora de vídeo y net.art
en la Facultad de Bellas Artes, Universidad de Barcelona

Playback de Robert Whitman

Playback, Robert Whitman, del 15 de septiembre de 2005 al 8 de enero de 2006, MACBA, Barcelona.
“La película es un documento sólido como una roca, firme e inalterable de alguien que contempla algo que ya pasó”
Con esta frase de 1966, Robert Whitman atribuye a la filmación carácter probatorio, sí, pero también documental. Sin embargo en Shower (1) y Bathroom Sink (2) sus dos obras más acertadas de la exposición, el artista nos presenta en bucle una actividad que después de cuarenta años, es de de una vigencia absoluta. Y digo “una actividad” y no “una película” porque tanto el acicalamiento ante el espejo del baño mostrado en Bathroom Sink, como la ducha en Shower  se presentan vía dioramas, instalaciones ingenuas sólo desde una mirada anacrónica.
Robert Whitman nos convierte en mirones de una actividad privada,  reconocible por extendida, de higiene corporal. Entre los –ismos del erotismo y pornografía presente en Internet encontramos las imágenes de mujeres duchándose, la inmensa mayoría “posados” profesionales, bien manteniendo la estética que corresponde a esa denominación, bien impostando una cámara oculta que se cuela en un baño. En el MACBA, la película se proyecta en el fondo de una cabina de ducha, vemos la imagen a través de la cortina de plástico, y oímos el sonido real del agua que utiliza la propia instalación. Por momentos el agua de la filmación sale teñida y la modelo se “ensucia” en la ducha: agua negra, agua roja, agua transparente, limpieza. La chica juega con el chorro del agua, se mueve para dirigirlo allí donde lo necesita. Cero misterio en esos gestos que haríamos cualquiera de nosotros pero que en otros se nos ven vetados. Las interpretaciones más complejas, sin duda, deben surgir a posteriori, para no interferir en la legítima condición, plácida o incómoda, de voyeur de museo contemporáneo.
El resto de la exposición no fue de mi interés, pero eso, sólo habla de mí.
(1) Shower, 1964, película 16 mm. en continuo, transferida a DVD, color, muda, proyector de video, cabina de ducha y cortina, agua y bomba de agua. Colección Robert Rauschenberg.

(2) Bathroom Sink, 1964 (reconstrucción 2003), película 16 mm. en continuo, transferida a DVD, color, muda, proyector de video, espejo y lavabo.

Les sigo invitando a que se apunten a la lotería:
http://ellosnoexisten.blogia.com/2005/120401-64091.php

de Picasso a Woody Allen (pasando por Rauschenberg)

/////////////////actualización 13/12/2005///////////////////////// 

Mestres del collage. De Picasso a Rauschenberg. Exposició temporal. Fundació Joan Miró, Barcelona. del 25 de noviembre de 2005 al 26 de febrero de 2006

La exposición es una muestra extensa de collages de autores reconocidos por los historiadores y críticos del Arte, acotada históricamente por las figuras de Picasso (al que, junto con Braque, se le atribuye la invención del collage) y finalizando en Rauschenberg.

1. La verdad, no entiendo por qué acaba en Rauschenberg (1980). Esa acotación final se me antoja arbitraria desde un punto de vista museográfico.

2. De hecho, no entiendo la justificación de hacer una panorámica utilizando como hilo conductor una técnica, por otro lado no tan relevante.

3. Seguimos comulgando con ruedas de molino: autores tan sobrevalorados como Matisse y estilos tan venerados como el cubismo sintético. Entiendo que Matisse y el cubismo sintético tienen sus incondicionales, pero a no pocos nos parece que el emperador está desnudo y además la tiene pequeña. Dicho queda.

4. Copio del folleto explicativo y me evito la vergüenza de hacer comentario alguno (las negritas son mías): “(…) Para ellos, como, de hecho, para todos los artistas que trabajan con este medio, el collage es la técnica que mejor permite cuestionar una visión ortodoxa tanto en el arte como en la vida.”
No sólo me endulzó la tarde, sino que la justificó sobradamente, encontrarme con un par de obras de Marcel Duchamp difícilmente encajables en el título de la exposición:
Why not sneeze Rose Sélavy? 1921-1964 Técnica mixta. Tate. Adquirido en 1999
y especialmente
La caja verde (LA MARIEE MISE A NU PAR SES CELIBATAIRES MEME)1934. Caja de cartón y fieltro con una lámina y 93 elementos de papel.Tate. Adquirido en 2001
Sepan que copié cuidadosamente dos de las 93 notas de la Caja Verde. Para fetichistas al margen del látex, ahí va:
1. (nota tachada, en el original)
les litanies du Chariot
vie lente
cercle vicieux
onanisme
Horizontal
oller et Retour
pour le buttoir
Camelotte de vie
Construction a bon marché
Fer blanc, cordes
fil de fer
Poulies de bois
a excentriques
volant mono tone
Professeur de
(à ref. entièrenment)
y 2.
Tirelire (ou conserves)
Faire un readymade avec une boite enfermant quelque chose irreconnaissable au son et souder la boite

Por lo demás

¿Creen que  Sofia Coppola era consciente de crear un icono cuando nos mostró el culo de Scarlett Johansson en esa braguitas transparentes? Yo creo que sí
¿Importa que ese sea realmente el culo de la Scarlett? Yo creo que no importa, hemos adjudicado ese culo independientemente de su real propietaria (no me consta, siquiera, que se haya planteado la duda)

¿Por qué Woody Allen no utilizó cualquier otro recurso para evitarnos la visión de las tetas de la Scarlett que no fuera el mantenerlas tapadas con una sábana, más propio de Melrose Place? Ni idea

¿Era necesario recurso alguno? Espero que coincidan conmigo en la necesidad del (en breve, no se lo pierdan) dibujo (alguien tenía que hacerlo)

¿No se podría haber llevado hasta lo sublime la toma frontal de la Scarlett, andando por el campo bajo una camisa transparente merced a una lluvia torrencial?
¿No ha visto Woody Allen a Winona Ryder en Drácula (Coppola), bajando escaleras, con un vaporoso camisón y sin sujetador?

/////////////////////////////////////////////actualización 13/12/2005///////////////////////////////////

Pueden ver la escena en http://homepage.mac.com/jetmig/winonaryder/vids/video1.html

o bien ir al enlace directo del video (10.5 Mb) aquí

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Por poner algún pero a Match Point.

(artículo en construcción)