Interzonas 06
“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez
Dentro de las jornadas de debate de Interzon@s 06 (II encuentros europeos con el arte joven) que se celebran en Zaragoza pudimos asistir el miércoles 1 a las conferencias de Fernando Castro Flórez y Laura Baigorri en el Palacio de Sástago.
Fernando Castro Flórez inició su conferencia calificando los posicionamientos recientes a propósito del retorno de la pintura como “naïf sinó cínicos”. También fijó su posicionamiento inicial refiriéndose a la pintura objeto del actual impulso mediático como “horrenda” y “lamentable”.
Como nada es casual, Fernando nos ofreció algunas explicaciones al respecto. Charles Saatchi es una de esas explicaciones. Saatchi, tras el trágico incidente que destruyó su colección de Arte, se dedica a promocionar y a comprar por ingentes sumas de dinero arte abiertamente escandaloso. Saatchi no invertiría su gran fortuna en promocionar arte-escándalo si no supiera los grandes beneficios económicos que le reportará tal actitud. ¿Se acuerdan de la ya legendaria Sensation? En aquella exposición de jóvenes artistas británicos, que se inauguró (año 1999) en el Museo Brooklin, se mostraba la particular colección del magnate.
Saatchi apuesta por la pintura. Y apuesta por una pintura de marca Sensation. E impone el titular de las exposiciones: “El retorno esplendoroso de la pintura” (Saatchi)
Fernando Castro Flórez es profesor de estética y teoría de las artes de la Universidad Autónoma de Madrid, crítico de arte y comisario de exposiciones. Entre sus libros destacan: Elogio de la pereza, El texto íntimo y Nostalgias del trapero.
No sólo tiene razón, Fernando Castro Flórez tiene, además, la valentía de expresar esa evidencia en voz alta y cara descubierta; Los historiadores del Arte han hecho lo que hacen los trabajadores de cualquier otra disciplina: llevarse a su propio terreno el objeto de estudio. Y desde la rama del positivismo que es la historia y la ramita que es la historia del Arte, han convencido a todos menos a cuatro que el Arte, que la pintura, es una sucesión de hechos ligados íntimamente aunque en un proceso eterno de superación contínua. Esta reflexión es mia pero Fernando vino a decir lo mismo con mejores palabras: “la pintura es una invención más moderna”.
Fernando seguidamente nos explicó que los teóricos de la pintura fueron incapaces de ver cómo los minimalistas asumían el discurso de aquellos a propósito de la imposibilidad de una evolución hacia una la mínima expresión.
“Es imposible que los lienzos se cuelguen con chintetas directamente en la pared”
“Es imposible que se exhiba un lienzo blanco”
Fernando afirma que el minimalismo se basó “en” y no “contra” los discursos de los teóricos y criticos del arte. Por supuesto se exhibieron liezos en blanco sostenidos con chinchetas.
Los artistas trabajaban como bedeles en el MOMA. Era su manera de estar “en la pomada”. De hecho Rauschemberg fue jefe de bedeles del MOMA.
A nuestro conferenciante le debemos una imagen bella y certera: “La pintura es la balsa de la medusa de Géricault” Es decir, la pintura es aquella madera flotando a la que aferrarnos con desesperación para sobrevivir. Y es además una imagen romántica y teatral.
“Y es que los “Antipintores” no son un fenómeno nuevo. El pintor que entierra la modernidad es Daniel Buren. Su objetivo era ser el enterrador de la pintura. Ya saben Uds. que la pintura se ha dado por fallecida en numerosas ocasiones, pero como diría Don Juan (sic): los muertos que vos matáis gozan de buena salud”. (risas)
Daniel Buren dio pie a hablar de la “táctica de la torpeza deliberada” llevada a cabo por muchos artistas. “Es el mejor antídoto ante las críticas:
-¡Qué malo es eso!
-Lo he hecho así a propósito. Es ironía.
Bricoleur, decorador y trapero. En eso se ha convertido el artista”.
Fernando nos advierte del retorno de lo siniestro y de lo inhóspito a la pintura y prevee un futuro abominable, sin honestidad. Y de la misma manera pero diferente, “hay pintura que no es que esté muerta, está destrozada” (en referencia al lamentable estado de los cuadros almacenados en el MNARS)
“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez
Gracias por tu conferencia, valiente y honesta. Creo que hay que reconocer públicamente que alguien se moje.
Si no te he entendido mal, has cargado la responsabilidad de la situación del “artista” contemporáneo básicamente sobre el propio artista.
En tanto que son los actores del circo del Arte los que definen el propio Arte: artistas, galeristas, curators, directores de museo, público, coleccionistas, críticos, teóricos, etc.
¿Cuál es “tu” pintura? Me refiero a tu apuesta personal ¿Qué pintura o pintores serían los que a tu juicio en un presente ideal deberían estar reconocidos?
Te pregunto esto apelando a esa responsabilidad que anteriormente te atribuía, en tanto que teórico.
Respuesta:
“Actualmente no hay casi teoría de la pintura. Se editan libros, sí , pero son catálogos de IKEA.
Yo lo que reclamo es un poco de estudio, que leamos. No vaya a ser que digamos algo que ya se ha dicho con anterioridad.
Hay artistas que son gente honesta, que han aguantado de manera vergonzante que se les ignorara e insultara simplemente por ser coherentes y continuar pintando. El tren del “retorno esplendoroso de la pintura” no va a parar en la estación de estos pintores. Veremos como se apuesta por los últimos en aparecer que cumplirán bíblicamente con ser los primeros. Pero a los “de siempre” no les van a hacer ni puto caso (sic)
¿Artistas?
Carlos León
José Ramón Amundarain
Yo soy un teórico (dijo como justificando su mal gusto). Me interesa revelar dónde hay un discurso falso o cínico, y valoro artistas que no son arribistas
Juan Barjola, admiración no sería la palabra. Me conmueve e importuna. Eso sí.”
Antes de Fernando Castro Flórez Laura Baigorri expuso su conferencia:
LA PANTALLA COMO LIENZO. MÁS ALLA DE LA PINTURA
La dimensión contemporánea de la no-pintura
Extraigo algunas perlas que configuran el esqueleto de su exposición:
“Cada vez que un nuevo medio tecnológico irrumpe en el arte lo hace definiéndose en relación y por contraposición a los anteriores medios (de la misma manera que sucedió con las vanguardias)”
“Cuando aparece el vídeo en el arte también hay un sector que intenta demostrar la singularidad y especificidad a ultranza del vídeo a partir del determinismo tecnológico. En un ensayo titulado "De l’art cinéma a l’art vidéo", Patrick de Haas hace hincapié en esta "absurda y persistente concepción positivista que, aliada a una lógica de la comunicación y de la estética, permite creer que todo progreso tecnológico de un medio artístico corresponde a un progreso estético.”
Laura Baigorri
“la especificidad del vídeo pasaba por definirse en contraposición al cine y a la televisión, sus enemigos naturales más próximos.”
“Así pues, el vídeo encontró en la pintura, si no un aliado, sí por lo menos un compañero de viaje.”
“Entre las múltiples aproximaciones que desde el vídeo y el net.art se han hecho a la pintura, detecto cuatro planteamientos de trabajo que buscan objetivos muy diversos:
1. Desarrollo de un lenguaje específico: “pintar en la pantalla” y “pintar con el código”.
Walter Ruttmann «Light-Play Opus I» Juego de luces
http://www.medienkunstnetz.de/works/opus1/video/1/
Para Paik el videosintetizador se revela como la herramienta definitiva para la creación del lenguaje plástico videográfico.
http://www.medienkunstnetz.de/works/video-commune/video/1/”
Laura también nos ha enseñado obras de Stephen Beck, Nam Hoover, Woody y Steina Vasulka,…
En cuanto al trabajo de código, el artista más recurrente ha sido Casey Reas, quien asegura “escribir software para dibujar formas orgánicas”
http://www.stanza.co.uk/amorphoscapes/painters/index.html
“Se puede hablar de influencias, de contaminaciones, de hibridación, de paralelismos, de una cierta inspiración, incluso de homenajes, -y una panorámica de esto es lo que he pretendido mostrar aquí- pero el videoarte y el net.art no son otras formas de abordar la pintura; simplemente son otras formas de arte. ¿Por qué?
Porque el videoarte y el net.art son artes basadas en el tiempo, no en el espacio. Están más próximas a la música y a la performance que a las artes plásticas.”
2. Experiencia profesional en la pintura como un recurso más a la hora de realizar sus obras.
Christine Schlegel «Strukturen II» (1984)
http://www.medienkunstnetz.de/works/strukturen-ii/video/1/
- Nicolas Clauss. “Dervish Flowers” (2003)
http://www.flyingpuppet.com/shock/dervish.htm
3. La pintura como referente, o como excusa, para desarrollar propuestas más conceptuales e irónicas.
En “Promo” (1976), por ejemplo, Chris Burden juega con el poder de legitimación que otorga una disciplina tradicional como es la pintura, para legitimarse el mismo como artista
http://www.medienkunstnetz.de/works/chris-burden-promo/
4. Pintura como inspiración, rindiendo un homenaje a los clásicos.”
De aquí destaco a Bill Viola, concretamente su serie
The Passions (2003)
http://www.getty.edu/art/exhibitions/viola/index.html
Tal y como haría después Fernando, Laura Baigorri cerró su conferencia con una reflexión a propósito de la técnica utilizada por el artista. En este caso tecnología y en palabras de Eduardo Kac:
“La tecnología es importante, pero sólo como potenciadora de la obra. Muchos artistas se limitan a utilizar las nuevas tecnologías con la esperanza de otorgar valor a unas obras que, de hecho, están vacías. Eso es lo que una vez alguien definió como “desaprovechamiento de la tecnología al servicio de la falta de creatividad”.
1 comentario
Ludmila -
parabéns..