autismo voluntario y sospechoso

Bárbara me ha recibido con el morro arrugado. No sé, acabo de entrar en la casa. Lo único que he hecho es cerrar la puerta con cuidado de no hacer ruido, llevo los zapatos limpios y no he encendido ninguna luz innecesaria.
Adrián tiene fiebre. No ha sido de repente. Al parecer llamaron desde el colegio. “Con treinta y ocho y medio que me lo han dado. Lleva toda la tarde tontísimo. Menos mal que se ha dormido bien. No estoy para hostias, Jesús”  Cuando uno vuelve a casa jodido sabe que la descarga injusta de malhumor de su mujercita tampoco es la solución correcta al desencaje del mundo.
Yo, en esos momentos me acuerdo del día en que mi chica decidió dejar de ser promiscua y dejarse crecer una barriga. O quizás fuera al reves. Es decir: se quedó embarazada y dejó de follarse también a otros.
-Ahora subiré a darles un beso, a los dos.

Hasta el momento la vida de ese niño, pobrecito él, ha consistido en gran parte en dar por culo más de lo que yo hubiera jurado que aguantaría. El chico ha salido a su madre, aunque tenga mis ojos y el autismo voluntario y sospechoso de, descanse en paz, Adam.

reología de las ideas

Bárbara llevaba veinte minutos hablando por teléfono. Caminaba descalza de un lado al otro del piso, esparciendo en aroma de una mujer recién aseada, perfumada y seducida a través del inalámbrico. Sólo entendí las últimas y sorprendentes frases: Lo tengo aquí. Te lo paso. Otro para ti.
Era Adam. Quería verme lo antes posible.
-En una hora estoy allí.
Tardé cincuenta minutos.
-Voy a leerte algo y quiero tu opinión sincera. Un periodista me pregunta sobre las razones que me llevaron a hacer la serie de eyaculaciones.
Asentí. Les transcribo una pequeña parte de la disertación que escuché, sólo para que conozcan el tono del discurso:
Son razones seminales en las dos acepciones de “seminal”: la original, capaz de engendrar vida en un sujeto pasivo, y la masculina, de semen. Ambas acepciones se unen en la idea del fluído viscoso con retrogusto a lejía que sirve para untar una escultura de cera e insuflarle vida. El Golem es un monstruo, y no se olviden de que también es falso.
-¿Y bien? –dijo.

-Me parece un pedazo de mierda postmoderna que esconde tras palabras oscuras un vacío más oscuro todavía –contesté con la voz vacilante de un locutor de radio amateur en su primer día.

Un locutor al que le jodiera que alguien flirteara con su mujer, se entiende.

Adam sonrió y me entregó el papel.

Era un artículo publicado en M-Art, de un par de folios de extensión. Llevaba por título “Reología de las ideas. La tixotropía del pensamiento de Adam X” y la firmaba un tal J. Doherty.

Helen Molesworth "Part Object Part-Sculpture" en Caixaforum

Conferencia de Helen Molesworth (comisaria en jefe de exposiciones en el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio) el pasado viernes 24 de marzo de 2006 en CaixaForum.
Helen introduce su conferencia hablando de sus inicios profesionales y entroncándolos con la temática de las jornadas.
Helen Molesworth comenzó su carrera profesional editando con unos amigos Documents, una pequeña revista especializada. “Pretendíamos generar un espacio para el diálogo” –dice, y que se encontrara entre los polos opuestos que representaban las publicaciones Artform (orientada al mercado) y October (academicista). Dichas publicaciones tenían esferas y marcos muy determinados y “nuestra utopía” era crear un tercer espacio de diálogo.
Documents dejó de editarse porque las personas que participaban del proyecto se profesionalizaron.(1)
“Mi experiencia a la hora de intentar generar ese diálogo crítico ha conformado mi práctica comisarial” “Para mí, la función del crítico del Arte se ha deslizado hacia el discurso de la Historia del Arte”.
Helen es historiadora de Arte y explica que se acercó al comisariado debido a que su experiencia con el objeto “en la vida real” era muy diferente a la que tenía con el objeto del Arte en la representación (2)
“Y empecé a darme cuenta de que tenía esta forma de dominio extraordinario en cuanto a qué significaban los objetos de Arte cuando estaba dando clase. Luego, in situ (en el museo) no comprendía esa obra de Arte en absoluto”
“El momento ante la obra de Arte es místico”
 

Helen explicita la absoluta diferencia entre los museos de EE.UU. (privados) y los de Europa para ubicar su siguiente reflexión:
“Había dos versiones de la Historia del Arte en los EE.UU:
Una por parte de los museos: formalista y creada por las apetencias de apetito del mercado.
Y dos: el mundo académico. Una Historia del Arte  a c r í t i c a  de ideas
Vi que uno se formaba por la proclividad y las apetencias de ciertos grupos muy dominantes de académicos que ejercían su influencia en “este” mundo. Así que una de las cosas que intenté comenzar a probar fue introducir esa Historia del Arte académica en el espacio del museo porque gran parte de esa Historia del Arte retaba la institución misma del museo por su mera existencia. Al hacerlo, también intentaba conseguir que la Historia del Arte académica estuviera más abierta a parte de las experiencias de lo que yo denominaría esa “intangibilidad de los objetos del Arte”.

(…)

“Las paredes del museo dan un valor extraordinario a la obra expuesta” (3)
 

“La gente se enamora de Kiefer y no hay nada que puedas hacer al respecto”

“Intenté pensar en el Arte Contemporáneo como parte de una narrativa del Arte mayor. La mayor parte de mi trabajo comisarial intenta situar el Arte Contemporáneo dentro de la historia a partir de la postguerra de la II Guerra Mundial. En parte como una forma de resistencia o de crítica en cuanto a la fascinación actual por lo nuevo. Es decir, que los comisarios tenemos que estar persiguiendo lo más nuevo, lo último.
Me interesa crear narrativas donde lo nuevo no se ofrezca como el objetivo último, sino algo que podamos entender.”

 

 “No hay nadie más importante en esta narrativa que Marcel Duchamp”(4)

“Es inevitable citar a Duchamp porque cambió radicalmente la estética y la conceptualizad filosófica y lo emocional de nuestra manera de interpretar el Arte.

Ahí tenemos el dicatdo de Duchamp: tenemos que desarrollar nuevas formas de competencia cuando nos enfrentamos a nuevos objetos.”

(…)

A continuación Helena aborda las premisas de las jornadas: “la lucha entre el tipo de trabajo que realizamos cuando escribimos y cuando incluimos objetos en una exposición”. Seguidamente leyó la declaración de principios de su exposición más reciente:

Part Object Part Sculpture

“En los EE.UU. siempre tenemos que buscar financiación, así que siempre llevamos el powerpoint para enseñarlo a quienes financian. Helen nos enseña el ppt y después nos muestra “las obras que ponemos en las galerías, intentando pensar los modos distintos por los que los textos y las exposiciones se unen y, es de esperar, logran tener un significado.”

Notas
(1) Aquí hay claramente una alusión involuntaria al “prestigio” de “lo amateur” objeto de no pocos artículos en los últimos años (ellosnoexisten)
(2) Este planteamiento choca claramente con las obras de net-art donde tal diferenciación no existe (ellosnoexisten)
(3) Convendrán conmigo en el arma de doble filo que supone dicha sentencia al estilo “el emperador está mal vestido”. Hay obras menos buenas de lo que parecen y el museo tiene poder legitimador. (ellosnoexisten)
(4) Si exceptuamos "Dados: 1. La cascada 2. El gas del alumbrado" (obra que se produjo y mantuvo en secreto durante años) la obra de Marcel Duchamp es anterior a la Gran Guerra. (ellosnoexisten)

saben que soy

un romántico

Por lo demás: un año después unos de los principales amores de mi vida, mi perra Nisa, vuelve a padecer un otohematoma. Esto significa que esta noche le doy un coctel de:

antibióticos para la otitis

cortisona para que se unan los tejidos

analgésico para el dolor

Amén de:

Extraerle la sangre con una jeringuilla, limpiarle bien con yodo, aplicarle conofite forte con una cánula en el oido, hacerle un vendaje compresivo y ponerle la campana que le fabriqué de fibra de vidrio y poliester porque las de plástico las rompe a cabezazos.

Estoy de muy mala leche.

Pero voy a arreglarlo.

Vaya que sí.

/////////////////ACTUALIZACIÓN 01.30 a.m.///////////////////////////////

Ha ido bien porque ha acabado bien. Creo que sólo uno de uds. sabe realmente (aunque pueden comprenderlo perfectamente) de la dificultad de manipular una pastor alemán cruce con mastín de 42 kilos con otitis, resabiada por haber sido curada con anterioridad.

Le he podido extraer 15 cm3 de sangre de aspecto venoso.

Finalmente nos hemos reconciliado con unos Chiquilín Ositos y abrazos y besos.

Stress bestial

Huelo a perra

Así que dejen de proponerme sexo.

////////////////////////////ACTUALIZACIÓN 02/04/2006. 23 horas////////////////////////////////////////////////////////////

El otohematoma ha vuelto. He seguido con la medicación, pero el animal, al sacudir la cabeza provoca el riego sanguíneo a la zona de la oreja. He encargado unas braunulas en la farmacia por si la intervención de hoy no funciona dejarle una puesta como drenaje y para evitar más punciones.

He sedado a la Nisa con Calmo-Neosan y la he inmovilizado para poder trabajar mejor y por su propia seguridad. La Nisa tiene 10 años. Con animales de edad avanzada hay que tener más cuidado con la sedación. Si se ven en el caso les recomiendo una dosis conservadora. También le he puesto un improvisado bozal, esta vez por mi seguridad.

 

 

 

 

 

La forma más económica de medios de inmovilizar a un perro

He aprovechado para limpiarle el oído, ponerle el Conofite Forte.

Ha habido suerte. Con una sola punción le he extraído 20 cm3 de sangre, esta vez mucho más clara, el total de todo el hematoma.

Le he hecho un vendaje levemente compresivo de la oreja al craneo.

La he liberado de las ligaduras y la he tapado.

 

 

 

 

 

P.S. Comprendo que todo esto pueda parecerles gratuíto, pero yo, cuando se me presentó el problema, hubiera agradecido encontrar la información.

////////////////////////////////////// ACTUALIZACIÓN   03/04/2006. 14 horas ///////////////////////////////////////////////////////

 

 

 

 

Todavía medio atontada, ya con la campana puesta. El apetito es el mejor baremo de que las cosas van bien.

 ////////////////////////////////////////// ACTUALIZACIÓN 5/4/2006 0:2O HORAS ///////////////////////////////////////////////////////////////////

48 horas tras la primera intervención:

He sido escrupuloso con el tratamiento de antibióticos y cortisona.

He retirado la campana y el vendaje. La oreja presenta un hematoma muy pequeño y no desprende el olor característico de la infección.

Tras una breve conversación, la Nisa y yo hemos acordado que no la sedaría. He vuelto a atarle, eso sí las patas. Le he limpiado la oreja, le he puesto el Conofite y le he extraído todo el contenido del hematoma tan sólo 5cc en dos días. Tengo la impresión de que estoy en el camino correcto. Para la extracción he utilizado una aguja con aletas para infusión. Concretamente el modelo Butterfly-21 de la casa Venisystems. Las ventajas de este útil es que pinchas con la aguja y puedes sujetar con esparadrapo las aletas de plástico a la oreja y después conectar una jeringa al final del catéter para aspirar. La longitud y flexibilidad del tubo de plástico nos da un margen de seguridad extra para el animal si intentara cabecear.

 

Aquí la aguja mencionada con la jeringa y los 5cc de sangre

 

 

He hecho un nuevo vendaje de compresión, teniendo cuidado de dejar al aire el conducto del oído. Hay infecciones por bacterias anaeróbicas, por lo que el oído debe estar aireado siempre. Huelga decir que hay que ser cuidadosos con la presión del vendaje, ya que éste pasa por el cuello.

 

 

 

 Lado inverso del vendaje que recorté a la altura del ojo para que la Nisa pueda ver bien. La oreja sana debe quedar también libre.

seguiré informando.

////////////////////////////ACTUALIZACIÓN 08/04/2006. 1:30 horas////////////////////////////////////////////////////////////

Tres días después de la última cura el hematoma se ha reproducido con sólo 4cc. La evolución es lenta pero parece segura. He procedido al vaciado y al vendaje. Continúo la administración de cortisona dos veces al día y el conofite cada dos días (preventivo). He suprimido la administración de antibiótico. He mejorado el vendaje utilizando más esparadrapo y he asegurado mejor la campana protectora. Hoy el animal logró liberar la oreja del vendaje anterior e incluso sacarse la pantalla.

////////////////////////////////////// ACTUALIZACIÓN   12/04/2006. 10 horas ///////////////////////////////////////////////////////

Tras casi dos semanas de tratamiento hemos vencido

 

Ahí la tienen, con su oreja sin hematoma, los tejidos unidos y cicatrizados. Es bella, verdad?

No le he retirado el espararapo que queda enganchado en la oreja. No por evitar una dolorosa depilación, sino por miedo a crear algún microtrauma en la operación. Ya se caerá. Ha quedado una leve secuela pasajera: al estar la oreja doblada sobre el cráneo, el interior de ésta quedaba en la cara externa. La campana no impide que la Nisa haya aprendido a rascarse metiendo la cabeza entre las plantas. Ha destrozado una planta crassa y la mitad de las margaritas.

Finalmente, y dado que siente mucho picor (uds. saben lo que pica una cicatrización) le he aplicado una pomada ad hoc y la he vendado de nuevo. Esta vez he utilizado una malla de las que se utilizan para sujetar vendajes en las extremidades de humano. Le mantengo una dosis mínima de cortisona (he ido disminuyendo la administración progresivamente) y el Conofite Forte cada tres días (3 admnistraciones más)

Doy por finalizada y ganada esta batalla. Gracias a quienes se interesaron y animaron.

entre un clavel y una rosa

su majestad es coja

Sara Arrhenius en INTER(IN)DEPENDÈNCIES (CAIXAFORUM)

Sara Arrhenius dice no haber preparado un artículo (doy fe) y que hará una serie de  reflexiones sobre interdependencias entre críticos y comisarios del arte contemporáneo. Ella misma ha trabajado como comisaria y pretende mostrarnos su práctica, qué sucede “cuando estamos avanzando de la posición de crítico a comisario”.
Sara Arrhenius articula su ponencia en base a tres proyectos de crítica  contemporánea y arte contemporáneo en los que ha estado implicada, y manifiesta su voluntad de utilizar dichos ejemplos ilustrativos, incluso como síntomas de prácticas contemporáneas que intentan cambiar la definición de “comisario” y de “crítico”.
El primer proyecto (ya no existe) es la revista Index
El segundo (una experiencia mucho más reciente) es IASPIS (International Artists’ Studio Program in Sweden), el programa de estudios sueco donde fue comisaria
Finalmente la “Göteborg International Biennial for Contemporary Art 2005” donde actuó como comisaria

Sara justifica la elección de los tres proyectos

 

 

 

 

“porque me parecen que de agún modo han intentado cambiar las fronteras entre la  práctica del comisariado y la crítica.
Sara habla del contenido de los proyectos y del método de trabajo relacinándolos con el tema de la conferencia de hoy.
Sara refiere al subtítulo de las jornadas (“el comisariado para con la crítica del arte”) como si “crítica” y “comisariado” fueran dos actividades contrarias o que no pueden relacionarse. El comisario genera y media y el crítico evalúa.
Sara se pone como ejemplo de la relación natural entre crítica y comisariado: “yo misma fui “crítica”
(...)
después he estado comisariando(...)
aún todavía escribo artículos, así que todavía puedo considerarme una crítica”
El primer proyecto (ya no existe) es la revista Index
“Durante esa época trabajábamos con un tema para cada ejemplar. No pretendimos reflejar la actualidad, que es lo típico de la crítica literaria, sino crear una agenda prioritaria desde un enfoque mucho más amplio. Para darles una ligera idea de los contenidos durante mis años trabajamos con temas como el fetichismo, las realidades, los monumentos,.... son tan sólo algunos ejemplos. Y en cada uno de los ejemplares trabajábamos siempre desde el punto de vista de las artes visuales, aunque también desde la fotografía científica, cine, o publicidad. Creo que en nuestro caso fue de gran importancia trabajar contra “la imagen del arte como un objeto autosuficiente creado por el artista para que lo evalúe el crítico”. Pensábamos el arte, el comisariado y la crítica como producción de conocimiento y relacionados con otros campos de la cultura. Para ello fue crucial trabajar con un enfoque interdisciplinario con escritores, artistas, comisarios, pero también críticos. La mayor parte del tiempo teníamos artistas que trabajaban y formaban parte del comité y del proceso de publicación como colaboradores puntuales. En el proceso de publicación era importante el papel del artista invitado que escribiera como comisario o como crítico, es decir, tan sólo en cada uno de los ejemplares en función de lo que queríamos hacer”
 (...)

“Cada ejemplar apareció como una mezcla heterogénea de textos distintos en géneros, voces y enfoques. Me parece que la mayoría de veces sería dificil para el lector distinguir el tipo de texto que estaba leyendo (si de un artista o un comisario)”

 

 

 

 

“Me parece que dicha ambiguedad  la íbamos buscando desde el comité de publicación porque nos permitió utilizar nuestro espacio editorial de modo distinto. Nos interesaban los proyectos que iban más allá de las barreras, de la categorías artística y ponían en tela de juicio el crítico, el comisario, el artista, que dividían el sistema artístico en compartimientos. Queríamos ampliar las fronteras entre crítica del arte y otro tipo de campos culturales. Este perfil editorial evidentemente también rompió con todas las normativas periodísticas, (yo misma las había seguido como periodista)”
(...)
“En ese momento nuestra revista intentó romper la normativa anterior para  poder experimentar con esa frontera entre los métodos de comisariado y crítica. Es aún más importante ver que sí estimuló una escritura crítica que correspondía mucho mejor a esa mejora y ese cambio de los métodos de la crítica contemporánea.”
(...)
“El crítico  entendido como un artista independiente distanciado  es un modelo imposible en el panorama del arte contemporáneo”
(...)

“se podrían crear otros modelos de reflexión crítica basados en el diálogo en colaboración entre distintos proyectos que ocupan posiciones distintas en un mismo sistema (1) y no tanto un modelo de el observador independiente.”

 (...)

 

es vital,
para que exista un cierto dinamismo en el arte, mantener separados los discursos
del crítico y del comisario

 

“Una de las preguntas principales era si tenía un enfoque diferente para con el arte si era “comisaria” o “crítica” y si es necesario o productivo hacer la diferencia entre ambas prácticas. Mi respuesta es que sí. Estas prácticas son distintas y es vital, para que exista un cierto dinamismo en el arte, mantener estos discursos separados. Creo que lo que deberíamos evitar es pensar que ambas prácticas son contrarias o que son identidades que quedan ya fijadas. Tantos las prácticas de comisariado como la crítica tienen que investigar cómo estos campos (que de algún modo se interseccionan) pueden ser productivos en colaboración. Y es por esto que me gustaría insisitir en la importancia de la visibilidad de ambas prácticas, es decir: que las fronteras se movilicen y cambien no significa que deban borrarse o eliminarse sino que deben pronunciarse siempre desde el dinamismo y la armonía con la prácticas artísticas.”

 al fin y al cabo
lo que hago es crear siempre discursos sobre arte
y haciéndolo facilito un diálogo
entre las diferentes disciplinas del campo

 

“El año 2001 fui nombrada comisaria de IASPIS, un proyecto con artistas jóvenes en estocolmo, Suecia; y estudiamos también en New York, Estambul, Tokio, Londres, etc. Un proyecto financiado por el gobierno con la intención de generar un cambio para los jóvenes artistas suecos. Dicho proyecto incluyó archivos, proyectos, investigación y revistas, pero también apoyo financiero para los artistas para crear sus exposiciones. Fue muy distinto trabajar con instituciones financiadas desde el gobierno en comparación con proyectos privados y creo que podríamos entenderlo como un cambio de la práctica crítica a la práctica del comisariado. Intenté reflexionar sobre los vínculos entre ambas prácticas y no tanto en las diferencias que existían trabajando como editora, crítica o comisaria. Me parece que al fin y al cabo lo que hago es crear siempre discursos sobre arte y haciéndolo facilitando un diálogo entre las diferentes disciplinas del campo. Somos mediadoras del arte, somos generadoras de arte, pero también  necesitamos responder de modo crítico. En esta institución, IASPIS, era posible trabajar entre estos campos distintos a un nivel intelectual. Era una casa en Estocolmo en la que se invitaba a personas procedentes de prácticas muy distintas (críticos, comisarios, artistas,....) a que trabajaran juntos y se organizaban exposiciones y revistas a partir del trabajo de esos artistas. Ese encuentro entre prácticas muy distintas fue una continuación de la obra que había hecho como editora. Editora, pero con una experiencia muy radical para mi participar en este proyecto. A diferencia de mi trabajo anterior como crítica o comisaria fue una  participación activa en el proceso artístico y creo que esta implicación en el proceso de producción  sí influenció mis métodos como comisaria y en aquel entonces quizás no me di cuenta, era posible formar parte y a la vez también pensar en el proceso de producción y en la mediación del Arte.”
(...)
“Uno de los elementos más decisivos del proyecto era que se desarrollaba en una casa física donde la gente se encontraba y producía a la vez.”
(...)
“Hay otro elemento  crucial y es que era una plataforma para la creación de los artistas pero también de críticos y comisarios, Un intercambio que nunca suele suceder simultaneamente. Creo que fue un método muy productivo y que ayudó a redefinir estas fronteras entre las prácticas de comisario y de crítico y exploramos todas las vías de trabajar más compatibles con la práctica contemporánea que sí que se basa en la temporalidad y en el proceso.”
(...)
“Yo creo que IASPIS debería de ser ese tipo de  plataforma que todos buscamos: un espacio para la proyección y el ensayo crítico.
¿Se podría desarrollar otro tipo de instituciones para que desempeñaran este papel intermedio entre ambos discursos? (2)

 

 

Las bienales
“Aquí tenemos otro ejemplo externo a las instituciones permanentes. La bienal es casi una institución artística.”
(...)
“Parece  que todas las regiones quieren su propia bienal.”
(...)
“Aparte de ese papel contracultural que tenía la exposición, deberíamos entender y recordar que las bienales son un fenómeno que van acompañado de una redefinición del mapa artístico. Yo creo que han ampliado muchas veces nuestras obras aunque a veces  se organicen siempre dentro del sistema, que tiene sus propias limitaciones, claro está.”
La Göteborg International Biennial for Contemporary Art
(…)
“Al invitárseme a trabajar en ella pensé en colaborar con doce artistas teniendo en cuenta sus obras. Las dimensiones de sus obras eran importantes y tenían que ver con el prestigio y la visibilidad. Me parece que es importante hablar de este tema: invitar a doce artistas en el año de esta mega-exposición se puede entender como un intento de organizar una pequeña revolución  pero fue una elecció que no  pretendía reducir la visibilidad de la bienal sino quería apartarla un poco de la lógica tradicional; intentar organizar una exposición que no fuera importante sólo por el número de artistas o por las dimensiones de sus obras sino por la variedad. También importante en mi caso  fue superar la imagen de la bienal como un estudio o como una pequeña colaboración de artistas con una obra cada uno sino simplemente un espacio donde los artistas, si era posible, produjeran nuevas obras y presentaran más de una obra por artista para crear el espacio para posibles contradicciones y participación de los demás.”
“Desde el principio me pareció evidente que  había muchos  artistas que encuadraban perfectamente la forma en que quería trabajar yo. Quería aprovechar el hecho de que todo disponíamos de un espacio para trabajar en la misma sala. El catálogo lo trabajamos entre todos los artistas antes de la exposición para discutir el concepto de la bienal y buscar una serie de propuestas. Esta sesión no debía ser un espectáculo público.”
(…)
“La sesión ayudó a reformular el concepto de la bienal”
(…)
“Y funcionó. El hecho de inaugurar la bienal con un taller que creó un espacio para un debate y una crítica (…) que se podría comparar con el mismo tipo de debate que se produce entre un artista y un comisario, pero yo quería romper esa  relación entre dos personas y convertirlo en un formato de grupo.”
(…)
Finalmente, Sara nos habló del proyecto http://www.bonnierskonsthall.se/ “>Bonniers Konsthall (Estocolmo, Suecia) de apertura prevista para septiembre de 2006. (Estocolmo, Suecia) de apertura prevista para septiembre de 2006. (Estocolmo, Suecia) de apertura prevista para septiembre de 2006.
Inauguré el turno de preguntas con lo siguiente:

“Siendo una misma persona, básicamente  o inicialmente, crítica y después dedicarse al comisariado y estando todo entremezclado en la misma persona (bien, yo soy un poco lego en la materia, soy más un mero espectador) pero me ha costado entender la diferencia que ha expuesto Sara de los dos papeles. Creo que actualmente se puede defender la posición contraria. En cualquier caso

pregunta.wav
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me ha hecho gracia la metáfora que ha hecho ella de que tanto el comisario como el crítico estaban metidos entro de la cadena alimenticia,(me ha parecido que decía). No ha utilizado un símil de órganos de un sistema simbiótico, sino de una  cadena alimentícia, donde hay una jerarquía. Donde hay uno que es comido y hay uno que come. No sé si ha querido ese tipo  de metáfora y en cualquier caso si eso es así ¿Dónde situaría esos dos seres diferentes, el comisario y el crítico? Y en cualquier caso ¿Quién se come a quién?”
Respuesta: creo que quizás no he ilustrado ciertamente lo que pretendía decir, pero esa es la posición cuando se ve en la crítica del arte tradicional. Es decir, es la manera en que se supone que tienes que trabajar si trabajas en un periódico grande como crítico de arte y la idea por tanto, evidentemente, es cuestionar ese status quo, esa cadena alimentaria y cuestionar los papeles y los roles desempeñados porque las cosas cambian y además, es muy poco productivo ese sistema. Por tanto estoy de acuerdo contigo absolutamente.
(1) ¿Alguien puede traducirme esa frase?
Nota: Sara deja bastantes aspectos “para los debates de hoy” (debates a los que no asistí)

   

este post

está en construcción

;) 

Bueno, en realidad, lo que está en construcción es esto

y sí, publico menos, pero es que también estoy con esto otro

el comisariado para con la crítica de arte

La Fundació "La Caixa" organiza las "terceras jornada de Arte contemporáneo: Inter (in)dependencias: el comisariado para con la crítica de arte", en las que "queremos ofrecer un espacio para el debate y la reflexión sobre aspectos relativos a la práctica de la crítica y el comisariado del arte contemporáneo" (Neus Miró, comisaria de las jornadas)

Asistiré el viernes por la mañana a las ponencias de

Sara Arrhenius, directora de la Bonniers Konsthall, Estocolmo, Suecia

y

Helen Molesworth, comisaria jefa de Exposiciones en el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio 
Ya les contaré cómo será. Pueden consultar el programa completo de las jornadas en la página oficial aquí

Pierre Gonnord en la Casa Asia

La Casa Asia acoge bajo el título de "Retratos asiáticos", una exposición de 24 fotografías de gran formato del artista francés Pierre Gonnord.

Son retratos realizados en japón donde los modelos, encontrados por Gonnord, muestran una gran belleza exótica (les aceptaré una enmienda al respecto) realzada por el tratamiento unificador de composición e iluminación. Los rostros se presentan "de tres cuartos", aunque con la mirada fija hacia el espectador. Sobre fondo negro, estos bustos con iluminación lateral entroncan estéticamente con la tradición pictórica de nuestro barroco, y Pierre Gonnord consigue así elevarlos a la categoría de la nobleza aristocracia occidental.

Debo decirles que escribir lo anterior ha sido una revelación para mi. Salí de la exposición maravillado por la belleza de las imágenes. Ahora lo que pienso es que tras esa belleza hay una explicación del mundo melíflua, perversa y peligrosa.

Y algunas declaraciones que se encuentran en el corto video que completa la exposicón, son de una coherencia pasmosa con respecto a su trabajo:

"tener un proyecto fotográfico ayuda a entrar un poco más en el tejido de diversidad social en una ciudad de cuatro millones de habitantes"

"como ser humano. cuando estás con el otro el otro es parte de ti"

"me pregunto qué hay de los demás en mi y qué hay de mi en los demás"

Es decir: frases hermosísimas que tapan una contradicción (buscar una suerte de yin-yang social mediante el retrato preciosista y artificioso de ejemplares de otras étnias) irresoluble.

Merecería un post aparte el magnífico escenario de la exposición. La Casa Asia está situada en el Palau Baró de Quadras, un palacete modernista de Puig i Cadafalch catalogado como Monumento Histórico Artístico de Interés Nacional.

Hasta el 16 de abril.

Don "experimentaste con la persona equivocada"

(introducir en el segundo tercio de la historia)
Lo que no se nombra no existe. A quienes no nombramos no existen. Bueno, sí existen, pero los ignoramos de mala manera. Negándoles el nombre. La peor manera, si acaso.
Hasta hoy el secretario de Adam no tenía nombre. Quiero decir, ya me entienden, que yo me referia a él como "el secretario". Me consuela pensar que donde las di las tomé y que yo fui siempre "el becario", "el doctorando", o vaya usted a saber qué.
Denme un bonus de tiempo extra para llamar por su nombre a Raimond Baumgarten.
Don "lo que a ti te pasa, Jesús, es que experimentaste con la persona equivocada" no sabía ya cómo llevarme al huerto. Finalmente hoy me ha dado a entender que él podía ser la puerta trasera (domina la polisemia, el tipo) para acceder a ciertas informaciones sobre mi objeto de estudio. Lo sería si me mostraba colaborador. Y no lo ha dicho, pero sé, que nunca sería dicha puerta si me negaba.
He colaborado, por supuesto, dada la vía abierta que intuía en la línea de flotación, aunque las primeras revelaciones han hecho referencia más que a mi tesis doctoral, a mi propia identidad.
Uno: debería haber pasado por esto con la Doctora Ángela (total, siempre pensé los "más rápido", "más fuerte" y "así, así" en boca de una mujer)
Dos: Aunque mis acompañantes a los conciertos de heavy metal no dudarían ni un momento en llamarme (repetidamente, seguro) "maricón", acabo de reafirmarme en que lo mío son las mujeres. Y no me vengan con eso de que "un culo es un culo".
Reconozco que escribir a pelota pasada es ventajoso, de una cercania a "la trampa de rehacer las percepciones", anacronismo mediante, que resta validez a no pocos testimonios. Diran ustedes que saco pecho con este tema porque tiro de diario. No les falta razon.

Remedios Zafra en enRE/Dades 2006

Remedios Zafra habló (en sus palabras) de feminismo e internet y sobre su particular visión mujer e internet. Para ello nos leyó un texto con abundantes fragmentos de otros tantos publicados en diferentes medios (no conozco tanto la obra de Remedios Zafra como para sostener que toda la conferencia fue un absoluto refrito). Les transcribo el inicio de su intervención. Si les interesa, pueden encontrar facilmente más material en la red. Abro comillas:
Internet ofrece respecto a otros medios de comunicación una serie de singularidades de entre las cuales destacaría la confluencia de los espacios de producción, recepción y distribución en la interfaz. Y también permite el uso de la pantalla como un espacio de subjetivización de los individuos.

Tres lecturas positivas del medio. Tres lecturas esteganográficas. Esteganografía versus criptografía.

 

Ver más allá de la mera representación de hombres, mujeres, género y sexualidad. La idea de Virilio de “cuando se inventa el barco se inventa el naufragio”.
“Sólo se progresa con una tecnología reconociendo su accidente específico, su negatividad inherente”
Para la labor de la artista feminista en Internet que se enfrenta a la repetición patriarcal en el medio sería necesario ir más allá del descubrimiento de escrituras invisibles en las estructuras y en los hábitos on-line. Se precisaría también superar los  trances de la ceguera, es decir, los dilemas de toda posición del discurso donde se actúa simultaneamente como objeto-sujeto reflexivo de manera que al estar influídos en aquello que queremos delimitar incorporamos de forma inconsciente estructuras de orden masculino como estructuras de percepción. Sería entonces una ceguera provocada por mirar a través de los ojos del otro. Se requeriría por tanto una forma de creatividad política que no puede sino apelar a todos los que realizan lecturas esteganográficas del mundo. No por la evidencia conformista de una tendencia a la perpetuación de la hegemonía simbólica mediante formas de escritura invisible y de ceguera también consentida sino justamente por la resistencia ante la directriz histórica que las mantiene.

 

Esta pauta no deja a salvo ningún rincón por joven que pueda parecer. Ninguna tecnología, ninguna ciencia quedan al margen del poder masculinista y de sus estrategias de normalización. Es más, son las ciencias y las tecnologías objeto de nuestra máxima sospecha. No resulta extraño que el sistema haya habilitado en la misma ciencia mecanismos que garantizan la preeminencia de estas escrituras invisibles cuya parcialidad nunca es reconocida ya que casi todo avance masculino ha sido condecorado con el privilegio histórico de ciencia objetiva sin que ello suponga otra cosa que una cohartada para actuar (tal como suscribe Haraway y otras muchas periodistas), desde el filtro de una "ideología abusiva".

Desde la producción creativa y política en la red se advierte del mantenimiento (soterrado o explícito) de los ejercicios de poder y vulnerabilidad sexual basados en dicha norma histórica, y de ello se deriva una dificultad añadida, el uso de lo nuevo como bandera de un cambio ficticio. Lo más reciente siempre se intenta mostrar como algo inocente, neutral y sin ideología, por lo que anima a descansar de la desconfianza habitual con que, desde el feminismo, solemos enfrentarnos a otros medios visiblemente lastrados y jerarquizados por una ideología patriarcal.
Este uso de lo nuevo como bandera de un cambio fictício que hemos visto en internet y  que vemos también en las más recientes tecnologías tiene mucho que ver con todo lo que hemos visto ya en el pasado. La precarización del trabajo, la relación del trabajo de la mujer a las formas más precarizadas de vivir y de relacionarnos tendría en las tecleadoras y en las mujeres que podeis ver en este video (Remedios Zafra se refiere a la proyección de apoyo)
La relación de precarización ha estado muy presente en el vínculo mujer-tecnología. De manera que este vínculo siempre ha contecido los ámbitos de producción más básicos y mecánicos en los que apenas ha habido posibilidad de emancipación y mucho menos emancipación creativa.

 

Sin embargo con Internet parecía distinto su socialización coincidía con importantes logros sociales en materia de igualdad y como todo nuevo espacio, en un principio parecía estar cargado de nuevas posibilidades y desafíos para las mujeres. Internet, una estructura horizontal de comunicación, esbozaba un panorama desjerarquizado repleto de atractivos para la acción social y el feminismo. Estar en Internet para las mujeres, ha tenido desde el comienzo de la socialización del medio un valor añadido, la sensación de que los espacios por hacer ofrecen más posibilidades para la no-repetición de los viejos modelos de jerarquización social, más posibilidades para imaginar las nuevas condiciones creativas, sociales y políticas de un mundo en red.

(cierro comillas)

Flavio Escribano en en(red)ades

Cyborg-Berdaches    (por FLAVIO ESCRIBANO)

(o lo que Flavio nos explicó el sábado 11 de marzo en bocanord a propósito del evento enRE/DAdes 2006)

Flavio reclama para sus conferencias el concurso de la fantasía y manifiesta su deseo de no ser concluyente.

Berdaches
Berdache es el nombre que dieron los colonizadores españoles a indios americanos que subvertían los papeles de género conocidos en nuestro mundo. Flavio avanza su intención de explicar la relación entre la cibernética (juego) y la trascendencia del juego a través del videojuego.

El caso  Sara Andrews (Ya tratado por Flavio en Viralgames)
Sara Andrews fue baneada por intentar formar un clan "gay & lesbian friendly" en World of Warcraft.

 

A entender de Flavio el problema residió en introducir la sexualidad, un concepto que no entra en la inmensa mayoría de los juegos on line. Y no cualquier sexualidad: homosexualidad. El rechazo vino por parte de la empresa y de los jugadores. La conclusión es que la homosexualidad en World of Warcraft es motivo de exclusión. Eso -apunta Flavio- va en contra de la carta de derechos humanos, para seguidamente especular con el clima de (in)tolerancia en el que están creciendo los jóvenes usuarios del juego. La empresa crea un precedente muy negativo(Aunque parece que finalmente se retractó) con una herramienta muy poderosa como es el juego. En el videojuego no hay sexualidad, hay instituciones; matrimonio

sexo fisiológico en el videojuego
qué es femenino
qué es masculino
El videojuego es un medio de representación audiovisual; no hay sexo biológico, cromosomas XX, XY. Hay valores diferenciadores, rasgos feminizantes o rasgos masculinizantes. Flavio prefiere hablar de personajes masculinoides o feminoides, representaciones aproximadas. El juego nos permite pasar libremente a asumir una representación masculinoide o feminoide. Para Flavio, tomar un cuerpo dentro del universo simbólico del videojuego, un avatar, es un paso más trascendente que el del travestismo que se da en la vida presencial (en el teatro, por ejemplo); no en vano "el videojuego es el sistema de representación interactivo más avanzado".

 

 

El caso Lara Croft
El chico-jugador se transforma
la chica-jugadora encuentra su visión universalizante (tradicionalmente perteneciente al mundo masculino)
La capacidad del videojuego para convertirnos en una representación con un sexo diferente al nuestro (incluso la de un ser asexuado) es el primer paso para poder romper el primer muro de la bipolaridad sexual.

 

El caso The SIMS
En The SIMS se publicita el sexo biológico heterosexual, en pareja convencional, con consecuencias reproductivas

 

 

Aunque como vemos si investigamos un poco, el juego permite experiencias que no se airean por parte de la empresa

El género: los papeles masculino y femenino
Los rasgos que se le imputan a los personajes masculinos y femeninos son muy completos. Los personajes de videojuego no se travisten -viene a decir Flavio. En el videojuego es ley que cada personaje Tiene sus características de género exageradas. Así, la representación típica de una mujer en el videojuego incluye las características de la mujeres dispuesta para el acto sexual: ojos grandes, labios encarnados y pezones duros. Los personajes masculinos musculados, geométricos, dispuestos para luchar.

Este modelo ¿Es realidad social o virtual? -se pregunta retóricamente Flavio.
Pues es realidad social (es lo que vivimos diariamente) pero no podemos contaminar con esto la realidad virtual. Empecemos a cambiar la realidad virtual, que tenemos muchas opciones de hacerlo.
Como conclusión de esta parte del género en el videojuego, parece contradictorio que demos papeles de género tan extremados, tan estrictos, a lo que representa lo masculino y lo femenino. Más aún cuando el videojuego es una herramienta de alta tecnología. El videojuego puede servir como una herramienta muy potente para romper esta barrera infundada que él mismo se ha creado acerca del género. Es decir: la sexualidad en el videojuego no debería tener sentido tal y como la conocemos hoy. El videojuego, además, podría ser un terreno absolutamente idóneo para jugar con los postulados que tenemos desde hace siglos en nuestras sociedades occidentales.
Podríamos dar a nuestros personajes género indefinido, de libre elección. Esto sería como una teoría cyber-queer.
Es lo que Flavio llama "cyber-género".
1. El videojuego tiene que criticarse a si mismo y cambiar sus postulados.
2. Se deberían crear juegos donde decidir avatares de diferentes géneros con los que experimentar.

 

 

Así podríamos llegar a una posible liberación del cuerpo fisiológico en lo que Flavio llama el cyborg-trans-sexo, que ayudaría a estudiar la liberación de nuestro cuerpo y cómo romper los roles que tenemos asociados a hombres y mujeres en nuestra cultura occidental y "para mi eso es la esencia de la sexualidad cyborg".
A continuación y para finalizar, Flavio presenta dos trabajos personales, dos videojuegos, que ejemplifican su compromiso con el discurso que ha expuesto
http://www.viralgames.org/transgenforce/
http://www.viralgames.org/ciudadjuarez/
Recomiendo que les echen un vistazo.
En el turno de preguntas hubieron varias intervenciones. Yo le pregunté su valoración del juego como herramienta educativa.

"El juego es una herramienta muy poderosa para inculcar conocimiento" -respondió Flavio Escribano.

SHUNKA

KAKIAGE...........................................8.50

KANI TO ABOGADO MAKI.....................7.50

SASHIMI ESPECIAL...........................21.00

SUSHI ESPECIAL...............................18.00

PRIMEUR..........................................12.00

ICHIGO SAIFUKU (X2).........................6.20

CAFE.................................................1.50

SUBTOTAL=74.70

IVA: 7%=5.23

TOTAL 79.93

Que tu chica te lleve al japonés frecuentado por Ferran Adrià no tiene precio

Restaurante japonés SHUNKA

C/ Sagristans, 5 bj

tel. [phone]

08002 Barcelona

En las fotos pueden ver uno de los mayores atractivos: comer a medio metro de donde te preparan la comida. Mención especial merece el postre ICHIGO SAIFUKU, rebautizado por los parroquianos como "tetilla", una suerte de media esfera de masa de harina de arroz y nata con una fresa en medio a modo de pezón. La textura, el sabor y el latigazo sensual trasciende con mucho el sobrenombre. Indescriptible.

las fotos...

...y el vídeo

enRE/Dades 2006: Gèneres en xarxa i accions ciberfeministes

Para quienes no tienen la suerte de saber catalán, les traduzco la presentación de la página del evento dónde encontrarán el programa completo. El menda irá el sábado y cumplidamente actualizaré este post para contarles cómo habrá ido (desde una perspectiva de género, masculino en este caso, por supuesto)

ENRE/Dades es un encuentro de personas interesadas en la Sociedad de la Información desde el punto de vista del género i el feminismo.

¿En qué medida nos marca sexualmente la tecnología? ¿Qué possibilidades de acceso al poder real nos proporcionan los nuevos medios de comunicación? ¿Es el medio sexualmente neutro? ¿Por qué no están presentes los fantasmas femeninos en el imaginario ciberpunk? ¿Cómo sobrevive el patriarcado en un entorno en el que los cuerpos no están presentes? ¿Cómo afecta la fractura digital a las mujeres?
En estas jornadas pretendemos dar a conocer pensadores, artistes i colectivos que investigan la realidad de las nuevas tecnologías como canales de transmisión simbólica del patriarcado i su relación con las mujeres en los ámbitos artístico i social. También es un espacio-tiempo de encuentro e intercambio de experiencias, conocimiento, dudas o expectativas entre mujeres en su relación con la tecnología.

CHARLAS
Cornelia Sollfranck: Do We Need the Female Genius? * Valie Djordjevic | Faces-list * Remedios Zafra: Netianas N(h)acer mujer en Internet * Identidad i representación:feminismo ciborg * Flavio Escribano: Cyborg-Berdaches. Esencia Transgenérica del Cibercuerpo en el Videojuego * Armas femeninas para los guerreros de la red * Radioswap * Programario libre género libre * Mesa redonda coordinada por Montse Romaní

TALLERES
Armas de mujer: consejos para  la participación colectiva e igualitaria * Construcción de microantenas i lenguaje audiovisual * Publicación en Internet * Cuñas: creación de piezas sonoras para radio * Edición de video digital * Construcción de género

PROYECCIÓN
Nuevos tiempos, nuevas realidades

DJS

Vj Normal c-alas * Dj Novias a la fuga / Ladyfest Spain
_____________________________________________ *
Del 9 al 11 de marzo de 2006
Espai Jove Bocanord - Barcelona
c/ Agudells 37-45
tel. [phone]
http://www.bocanord.org
Cómo llegar
Metro L5 Horta
Autobús: 10,19,39,86,87,212 Nocturn:N4
GRATIS
I también espacio para niños!!

Diane Arbus. Revelaciones

D   I   A   N   E     A   R   B   U   S
R  E   V  E   L  A  C  I   O  N   E  S

CaixaForum, Av. Marquès de Comillas, 6-8, Barcelona.
Hasta el 14 de mayo de 2006

“A photograph is a secret about a secret. The more it tells you the less you know”

Me consta que la reseña llega con retraso, dada la gran repercusión en prensa que ha tenido esta exposición. La dicha, sin embargo, es buenísima.
La obra de Diane Arbus se ajusta a sus presupuestos:

PROGRAMA PARA UN PROYECTO FOTOGRÁFICO
“American Rites, Manners and Customs”
(Ritos, usos y costumbres americanas.

“Quiero fotografiar las ceremonias dignas de consideración de nuestro presente porque mientras vivimos a quí y ahora, tenemos tendencia a percibir sólo lo que es aleatorio, estéril e informe. Mientras lamentamos que el presente no sea como el pasado y perdemos la esperanza de que se convierta en el futuro sus innumerables hábitos inescrutables permanecen a la espera de un significado. Quiero reunirlos como haría una abuela preparando conservas, porque habrán sido muy hermosos. (...)”(2)
 

Y particularizando:

“Lo que más he fotografiado han sido monstruos.

 

 

 

 

 

Fue una de las primeras cosas que fotografié, y ha sido terriblemente estimulante para mi. Simplemente solía adorarlos. Aún adoro a alguno de ellos. Con esto no quiero decir que sean mis mejores amigos, pero me han hecho sentir una mezcla de vergüenza, temor y asombro. Existe una especie de leyenda acerca de los freaks (monstruos). Como ese personaje que en un cuento de hadas te detiene y te exige que resuelvas un acertijo. La mayoría de la gente se pasa su vida temiendo vivir una experiencia traumática. Los freaks nacieron con sus traumas. Ellos ya han pasado su prueba.

 

Son aristócratas.” (1)
 

¡Y vaya si lo parecen!

Además de fotografías, pueden leer allí mismo los libros que se han editado a propósito de la obra de Arbus, ver algunos volúmenes de su biblioteca y acceder a reflexiones recogidas en sus cuadernos de notas:

“Cuando empecé a fotografiar, solía hacer copias con mucho grano. Me fascinaba el efecto que daba el grano; era como una especie de tapicería hecha de puntitos. La piel era lo mismo que el agua; el agua era lo mismo que el cielo y además trabajabas sobre todo con luz y sombra y no tanto con carne y sangre...”
Diane Arbus. Clase magistral, 1971(2)
 

Para uds., fetichistas de la tecnología retro pueden ver en CaixaForum la Nikon F 35 mm con Objetivo de 50 mm i la Rolliflex gran angular 2-1/4; las dos máquinas de la artista.

“(...) la otra cámara, que no es más que una maldita seductora, en la que ves lo que vas a obtener pero con la que no obtienes lo que has visto (...)
Carta a Marvin Israel, C. Noviembre de 1960

La irritación que suscitaba en ella las limitaciones impuestas por el objetivo de 35 mm llevó a Arbus a experimentar con una Rollefflex 2 ¼ de dos objetivos que le permitía

 

establecer una relación mucho más directa con la persona a la que estaba fotografiando.(2)

 

Hay quien ve en la fotografía de Arbus la dignificación de los marginales. Lo cierto es que en la mayoría de sus fotografías yo no veo tal cosa. Lo que yo veo es una cuidadosa búsqueda del modelo "extraño" y de su pose "extraña", mostrada con naturalidad. Y ahí nos clava el dardo, porque nos muestra la deformidad de unos seres con los que compartimos la identidad colectiva. Me temo que los "protagonistas" no podrían hacer la abstracción para sacar conclusiones positivas de un catálogo de "anormales".

Y lo anormal en la exposición es, precisamente, encontrar imágenes de belleza de fácil consenso como el autoretrato embarazada

 

O esta jovencita camarera de un camping nudista, que he interpretado en el dibujo de portada de esta reseña.

 

 

(1) Ángel Sánchez Harguindey en El PAÍS SEMANAL, nº 1.534. Domingo 19 de febrero de 2006.

(2) Información ofrecida en la exposición.

Columnas (de Maider López)

Maider López presenta dentro del ciclo “A medida” comisariado por Marta Gili la instalación Columnas en el Espai Montcada-Sala 4 de CaixaForum.  Se trata de una instalación de 110 pilares (que no columnas) de madera (22x41x370cm) pintados de blanco. Su carácter fictício (tan ficticio como un buen porcentaje del interior del MACBA) no le resta potencia al efecto visual y espacial del laberinto y presencias (dependiendo de que percibamos las columnas (sic) o los espacios). Los pilares están diseminados de manera irregular, tan irregular como la diseminación de los asistentes en una fiesta haciendo difícil en determinadas zonas la deambulación.

 

foto extraída de la web de la artista

Es significativo que las unidades adquieran identidad en tanto que colecivo a la vez que redefinen el espacio de la sala. La  pretensión de elementos estructurales arquitectónicos debería condicionar nuestra interpretación más allà de la puramente “espacial”.

Hoy, además de Beatriz y yo, en la sala había tan sólo una pareja.
Hablaban en francés.
Yo de francés y de tonos tristes sé lo justo para, sin pretenderlo, enterarme de que estaban rompiendo.

-C’est fini –decía él.
Ella, los ojos vidriados, se apoyaba contra la pared.

Ahí me ha parecido que la necesidad de sujetar un techo que se venía a alguien abajo acumulando columnas era evidente. Alguien podrá decirme que todo es muy poético, que las columnas en realidad no aguantan nada. Pues eso digo yo, que el techo (no digamos el cielo) no se viene abajo por una ruptura amorosa.

También digo que la experiencia del visitante es la última pátina que acaba una instalación.

 

ronda al sol

Un año de ellosnoexisten.

Es una buena ocasión para que dejen constancia de que estuvieron aquí.

la imagen al completo aquí

Interzonas 06

“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez

Dentro de las jornadas de debate de Interzon@s 06 (II encuentros europeos con el arte joven) que se celebran en Zaragoza pudimos asistir el miércoles 1 a las conferencias de Fernando Castro Flórez y Laura Baigorri en el Palacio de Sástago.

 

Fernando Castro Flórez inició su conferencia calificando los posicionamientos recientes a propósito del retorno de la pintura como “naïf  sinó cínicos”. También fijó su posicionamiento inicial refiriéndose a la pintura objeto del actual impulso mediático como “horrenda” y “lamentable”.

 

Como nada es casual, Fernando nos ofreció algunas explicaciones al respecto. Charles Saatchi es una de esas explicaciones. Saatchi, tras el trágico incidente que destruyó su colección de Arte, se dedica a promocionar y a comprar por ingentes sumas de dinero arte abiertamente escandaloso. Saatchi no invertiría su gran fortuna en promocionar arte-escándalo si no supiera los grandes beneficios económicos que le reportará tal actitud. ¿Se acuerdan de la ya legendaria Sensation? En aquella exposición de jóvenes artistas británicos, que se inauguró (año 1999) en el Museo Brooklin, se mostraba la particular colección del magnate.
Saatchi apuesta por la pintura. Y apuesta por una pintura de marca Sensation. E impone el titular de las exposiciones: “El retorno esplendoroso de la pintura” (Saatchi) 

Fernando Castro Flórez es profesor de estética y teoría de las artes de la Universidad Autónoma de Madrid, crítico de arte y comisario de exposiciones. Entre sus libros destacan: Elogio de la pereza, El texto íntimo y Nostalgias del trapero.

“La pintura no viene de las cuevas de Altamira o de Lascaux.”
No sólo tiene razón, Fernando Castro Flórez tiene, además, la valentía de expresar esa evidencia en voz alta y cara descubierta; Los historiadores del Arte han hecho lo que hacen los trabajadores de cualquier otra disciplina: llevarse a su propio terreno el objeto de estudio. Y desde la rama del positivismo que es la historia y la ramita que es la historia del Arte, han convencido a todos menos a cuatro que el Arte, que la pintura, es una sucesión de hechos ligados íntimamente aunque en un proceso eterno de superación contínua. Esta reflexión es mia pero Fernando vino a decir lo mismo con mejores palabras: “la pintura es una invención más moderna”.
Fernando seguidamente nos explicó que los teóricos de la pintura fueron incapaces de ver cómo los minimalistas asumían el discurso de aquellos a propósito de la imposibilidad de una evolución hacia una la mínima expresión.
“Es imposible que los lienzos se cuelguen con chintetas directamente en la pared”
“Es imposible que se exhiba un lienzo blanco”
Fernando afirma que el minimalismo se basó “en” y no “contra” los discursos de los teóricos y criticos del arte. Por supuesto se exhibieron liezos en blanco sostenidos con chinchetas.
Los artistas trabajaban como bedeles en el MOMA. Era su manera de estar “en la pomada”. De hecho Rauschemberg fue jefe de bedeles del MOMA.
A nuestro conferenciante le debemos una imagen bella y certera: “La pintura es la balsa de la medusa de Géricault”  Es decir, la pintura es aquella madera flotando a la que aferrarnos con desesperación para sobrevivir. Y es además una imagen romántica y teatral.

“Y es que los “Antipintores” no son un fenómeno nuevo. El pintor que entierra la modernidad es Daniel Buren. Su objetivo era ser el enterrador de la pintura. Ya saben Uds. que la pintura se ha dado por fallecida en numerosas ocasiones, pero como diría Don Juan (sic): los muertos que vos matáis gozan de buena salud”. (risas)
Daniel Buren dio pie a hablar de la “táctica de la torpeza deliberada” llevada a cabo por muchos artistas. “Es el mejor antídoto ante las críticas:
-¡Qué malo es eso!
-Lo he hecho así a propósito. Es ironía.
Bricoleur, decorador y trapero. En eso se ha convertido el artista”.
 

Fernando nos advierte del retorno de lo siniestro y de lo inhóspito a la pintura y prevee un futuro abominable, sin honestidad. Y de la misma manera pero diferente, “hay pintura que no es que esté muerta, está destrozada” (en referencia al lamentable estado de los cuadros almacenados en el MNARS)

“La materia del Arte es la obsesión” -Fernando Castro Flórez

El turno de preguntas tuvo que restringirse a una sola. Lo que pregunté a Fernando Castro Flórez:
Gracias por tu conferencia, valiente y honesta. Creo que hay que reconocer públicamente que alguien se moje.
Si no te he entendido mal, has cargado la responsabilidad de la situación del “artista” contemporáneo básicamente sobre el propio artista.
En tanto que son los actores del circo del Arte los que definen el propio Arte: artistas, galeristas, curators,  directores de museo, público, coleccionistas, críticos, teóricos, etc.
¿Cuál es “tu” pintura? Me refiero a tu apuesta personal ¿Qué pintura o pintores serían los que a tu juicio en un presente ideal deberían estar reconocidos?
Te pregunto esto apelando a esa responsabilidad que anteriormente te atribuía, en tanto que teórico.

Respuesta:

“Actualmente no hay casi teoría de la pintura. Se editan libros, sí , pero son catálogos de IKEA.
Yo lo que reclamo es un poco de estudio, que leamos. No vaya a ser que digamos algo que ya se ha dicho con anterioridad.
Hay artistas que son gente honesta, que han aguantado de manera vergonzante que se les ignorara e insultara simplemente por ser coherentes y continuar pintando. El tren del “retorno esplendoroso de la pintura” no va a parar en la estación de estos pintores. Veremos como se apuesta por los últimos en aparecer que cumplirán bíblicamente con ser los primeros. Pero a los “de siempre” no les van a hacer ni puto caso (sic)
¿Artistas?
Carlos León
José Ramón Amundarain
Yo soy un teórico (dijo como justificando su mal gusto). Me interesa revelar dónde hay un discurso falso o cínico, y valoro artistas que no son arribistas
Juan Barjola, admiración no sería la palabra. Me conmueve e importuna. Eso sí.”

Y acabó la intervención de Fernando Castro Florez con la reflexión a propósito de las técnicas utilizadas, de cómo numerosos artistas son pluridisciplinares y que, en cualquier caso “la materia del Arte es la obsesión”.

Antes de Fernando Castro Flórez Laura Baigorri expuso su conferencia:

LA PANTALLA COMO LIENZO. MÁS ALLA DE LA PINTURA
La dimensión contemporánea de la no-pintura

Extraigo algunas perlas que configuran el esqueleto de su exposición:

“Cada vez que un nuevo medio tecnológico irrumpe en el arte lo hace definiéndose en relación y por contraposición a los anteriores medios (de la misma manera que sucedió con las vanguardias)”

“Cuando aparece el vídeo en el arte también hay un sector que intenta demostrar la singularidad y especificidad a ultranza del vídeo a partir del determinismo tecnológico. En un ensayo titulado "De l’art cinéma a l’art vidéo", Patrick de Haas hace hincapié en esta "absurda y persistente concepción positivista que, aliada a una lógica de la comunicación y de la estética, permite creer que todo progreso tecnológico de un medio artístico corresponde a un progreso estético.”

Laura Baigorri

“la especificidad del vídeo pasaba por definirse en contraposición al cine y a la televisión, sus enemigos naturales más próximos.”
“Así pues, el vídeo encontró en la pintura, si no un aliado, sí por lo menos un compañero de viaje.”

“Entre las múltiples aproximaciones que desde el vídeo y el net.art se han hecho a la pintura, detecto cuatro planteamientos de trabajo que buscan objetivos muy diversos:

1. Desarrollo de un lenguaje específico: “pintar en la pantalla” y “pintar con el código”.
Walter Ruttmann «Light-Play Opus I» Juego de luces
http://www.medienkunstnetz.de/works/opus1/video/1/
Para Paik el videosintetizador se revela como la herramienta definitiva para la creación del lenguaje plástico videográfico.
http://www.medienkunstnetz.de/works/video-commune/video/1/”

Laura también nos ha enseñado obras de Stephen Beck, Nam Hoover, Woody y Steina Vasulka,…
En cuanto al trabajo de código, el artista más recurrente ha sido Casey Reas, quien asegura “escribir software para dibujar formas orgánicas”
http://www.stanza.co.uk/amorphoscapes/painters/index.html

“Se puede hablar de influencias, de contaminaciones, de hibridación, de paralelismos, de una cierta inspiración, incluso de homenajes, -y una panorámica de esto es lo que he pretendido mostrar aquí- pero el videoarte y el net.art no son otras formas de abordar la pintura; simplemente son otras formas de arte. ¿Por qué?

Porque el videoarte y el net.art son artes basadas en el tiempo, no en el espacio. Están más próximas a la música y a la performance que a las artes plásticas.”

2. Experiencia profesional en la pintura como un recurso más a la hora de realizar sus obras.
Christine Schlegel «Strukturen II» (1984)
http://www.medienkunstnetz.de/works/strukturen-ii/video/1/
- Nicolas Clauss. “Dervish Flowers” (2003)
http://www.flyingpuppet.com/shock/dervish.htm

3. La pintura como referente, o como excusa, para desarrollar propuestas más conceptuales e irónicas.
En “Promo” (1976), por ejemplo, Chris Burden juega con el poder de legitimación que otorga una disciplina tradicional como es la pintura, para legitimarse el mismo como artista
http://www.medienkunstnetz.de/works/chris-burden-promo/ 

4. Pintura como inspiración, rindiendo un homenaje a los clásicos.”
De aquí destaco a Bill Viola, concretamente su serie
The Passions (2003)
http://www.getty.edu/art/exhibitions/viola/index.html

Tal y como haría después Fernando, Laura Baigorri cerró su conferencia con una reflexión a propósito de la técnica utilizada por el artista. En este caso tecnología y en palabras de Eduardo Kac:

“La tecnología es importante, pero sólo como potenciadora de la obra. Muchos artistas se limitan a utilizar las nuevas tecnologías con la esperanza de otorgar valor a unas obras que, de hecho, están vacías. Eso es lo que una vez alguien definió como “desaprovechamiento de la tecnología al servicio de la falta de creatividad”.

phallus petri

¿No creen uds, que "ellosnoexisten" es una buena marca comercial para consoladores?

Estoy retomando la proyección de ciertas esculturas faloides. Estarán disponibles en la web comercial de ellosnoexisten como un merchandising más. Y que sean objetos contemplativos es tan sólo una premisa. O no, la masturbación asistida puede ser de lo más estética.

Seguiré informando

carnaval

Les aviso que voy a ser dogmático, que sin ninguna legitimidad más que la que subirme en una caja de frutas para no pisar suelo sagrado me permite decir lo que pienso. Pueden cambiar de url.

¿Quién nos protege de la talla 34?

No me refiero a las medidas de las modelos de la última pasarela Cibeles. La extrema especialización del cuerpo va ligada solidariamente con la sociedad postfordista. Cada disciplina deportiva tiene su cuerpo específico. Los más recurrentes para el comentario son los de las chicas de la gimnasia artística.
El culturismo es, directamente, negado.

Altura para el salto de altura
Masa en Sumo
Codo de tenista en tenis

Elaboren su propio ranking

Sin una preferencia clara de cuerpo de mujer, no asumo arquetipo alguno como exclusivo de mi deseo sexual. Cierto que la delgadez no está entre mis preferencias a priori para la cama. Sí lo están la actitud colaboradora y el reto de la novedad, vulgar que es uno.

Otra cosa es el dibujo del natural, donde la inmensa mayoría agradecemos formas rotundas.

Otra cosa más es mi lucha con la escultura, basada en rebajar la figura intentando encontrar el misterio del funcionamiento mecánico y psicosomático en los músculos, tendones y sistema vascular. Capítulo a parte merecerían las heridas y cicatrices. Visionen Crash, de David Cronemberg.

Créanme que siento hablarles de mí.

He dibujado cuerpos de chicas mutiladas, heridas, medicalizadas, modificadas, sometidas,… Les diría que “es sólo Arte” pero no soy tan pretencioso. Lo que sí soy es un defensor a ultranza del creador, que no debe rendir pleitesía más que a su obra. Ni un pero a las chicas que escojan Andrés Sardà u Óscar de la Renta para exhibir la penúltima frontera (la última, habrán adivinado, es la piel) y más de uno a quienes incitan a menores a actividades peligrosas para la propia integridad.

Les decía que no necesitamos protegernos contra la exhibición de modelos, ni siquiera ultra-delgadas.

La verdadera agresión proviene de mentalidades de la talla 34. Señoras y señores, la responsabilidad de la educación de los niños es de los padres; la mejor estrategia posible (y la primera condición indispensable) para llevar a cabo dicha educación es pasar más tiempo con ellos y contextualizar la información que les llega. La tele es mala si el niño es abandonado al cuidado de la tele. Quien dice la tele dice el teléfono o la consola.

Nuevamente un informe de la sección española de Amnistía Internacional contra los videojuegos (PDF). Ya tacharon de nocivo por incitar a la violencia a September 12th. Comparto la indignación de Gonzalo Frasca al respecto. El juego es un manifiesto antibelicista en el que ganar siguiendo el objetivo de bombardear un poblado es imposible.
No somos pocos los que alabamos las buenas intenciones de juegos de este tipo y que igualmente somos escépticos ante un uso descontextualizado por parte de un niño. Esto último lo aplico igualmente a juegos marcadamente violentos o sexistas.
Mazinger ya ha sido nombrado unas cuantas veces en este cortijo. Me cautivó en mi niñez, en la que jugaba preferentemente a ser robot destrozón, o a “americanos”. Por "americanos" entendíamos “soldados norteamericanos protagonistas de película sobre la segunda gran guerra”. Tras Mazinger Z vino Orzowei, una serie protagonizada por un “hijo de la selva” blanco que sobrevive en una tribu de negros que le hacen la vida imposible. Recuerdo aún cierta escena de violencia extrema en la que dos guerreros luchan y uno acaba con las esperanzas de su oponente mediante el instructivo método de aplastarle la cabeza con una roca.
Yo he experimentado lo normal: un poco de sado sin provocar lesiones permanentes. Quiero decir que ese tipo de información visual que incorporé a mi universo simbólico de niño no es lo que pudiera haberme convertido en un sádicohijodeputa.

Censuren las imágenes de las pasarelas o pásenlas a horario protegido, pónganle un candado a la Consola de videojuegos, capen el navegador para que no acceda a páginas de contenidos para adultos, etiqueten “Parental Ad.” los discos de Eminem y destruyan el “Beyond the realm of death” de Judas Priest. O inviertan tiempo, presencia y dedicación en sus hijos; y dejen las máscaras de sacudirse la responsabilidad para unos pocos días de carnaval.

El único crimen en el que la mayor responsabilidad es de la víctima es el parricidio.